sábado, 8 de agosto de 2020

El Museo del holocausto - visita para Agenda

por Gustavo Nielsen para su blog "Milanesa con papas"

"La Fundación Memoria del Holocausto nació en Argentina en el año 1994; al año siguiente recibió del Estado el edificio de la calle Montevideo 919 para la realización de un museo. El edificio en sí era una de las tantas usinas eléctricas pertenecientes a la Compañía Ítalo Argentina de Electricidad, diseñadas desde 1915 por el arquitecto italiano Giovani Chiogna, que les dio forma de Palacio Florentino, con fachadas ladrilleras y torres almenadas. 

Más grandes o más pequeñas, las usinas y sub usinas distribuidas por Chiogna en Buenos Aires tienen el mismo aspecto medieval. La más grande se encuentra reciclada actualmente como Usina de la Música, y queda en La Boca.

En el año 2000 el Museo del Holocausto abrió sus puertas con una muestra transitoria de poco presupuesto, hecha casi a pulmón, y se afianzó en la parte educativa colaborando en programas como “Generaciones de la Shoá” de la licenciada Diana Wang. 

La superficie utilizada en ese primer reciclaje era menor que la del edificio recibido. 

En el año 2017 se le encargó al arquitecto Alejandro Daniel Becker, coautor del CCK y del Museo Casa Rosada, el diseño de un Museo del Holocausto que ocupara, como mínimo, todo el edificio, con exhibición permanente. 

La puesta que se acaba de inaugurar fue realizada por un equipo multidisciplinario formado por sobrevivientes, historiadores, museólogos, educadores, diseñadores gráficos e industriales y técnicos en multimedia, junto al estudio Becker. Hasta Steven Spielberg participó. 

Para ver museo y muestra hay que inscribirse en Museo del Holocausto
Los recorridos se hacen de lunes a viernes de 13 a 17 horas.







Dirigió nuestra visita el mismo Becker. Casi siempre pasear a otros colegas por la obra de uno es como hablar de los hijitos con otros padres del colegio. “Facundo va a quinto, le gusta el fútbol y la Playstation”, algo superficial. 

No es el caso del arquitecto Becker, que primero se hizo el que no era orador, pero enseguida explicó cada espacio y sus motivaciones como un experto. 
Y quedó claro hasta el más mínimo detalle de diseño que oculta cableados y retornos de aire acondicionados de esos que solamente a Clorindo Testa le quedaban bien, o mecanismos escondidos muy sutiles para abrir puertas y dividir espacios. 

Nos contó todo lo que sabía y consiguió despejar otras dudas; no conozco demasiados profesionales con esta sinceridad arquitectónica. 
A esta altura de la nota, va mi agradecimiento.
Básicamente, el museo tiene un acceso en la calle central empedrada que cruza por dentro del edificio y ya estaba en su disposición anterior. 

De ahí se desciende a un sótano, se recorren las salas a bajo nivel y se vuelve a subir en el bloque de atrás para regresar a los espacios de la planta baja. 
El recorrido, que nunca pasa dos veces por el mismo lugar, está organizado cronológicamente desde 1900 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. 
La exposición toma prestado algo que tenía la precedente, la comparación entre lo que sucedía en Europa y nuestro país, con datos gráficos principalmente obtenidos de la prensa local. 
Pero mientras aquella exposición basaba su museística en impresos sobre paneles, la nueva es un deleite de nuevas tecnologías en marcha. 

El nuevo Museo del Holocausto vale por su contenido, pero además es maravilloso por el muestreo de punta: hay pantallas táctiles, tótems con información personal relatada por sobrevivientes, infografías, mesas interactivas y gran variedad de dispositivos e instalaciones. 
Hay también una App muy interesante con 75 estaciones en la que se puede seguir la historia de una familia judía de época.
Argentina aparece como un lugar que recibió a refugiados, pero también están los vídeos de los festejos nazis en el Luna Park y otros actos alemanes. 
La exhibición muestra el nazismo local y el repudio de nuestra comunidad, en noticias y afiches.
Otro detalle que se agradece al nuevo Museo del Holocausto es el ocultamiento de los vídeos del horror. 
Están, pero en una especie de buzones para que no sean de visión directa por los niños. 
Si el padre quiere que sus hijos vean un fusilamiento o una retro excavadora empujando decenas de cadáveres desnudos a una fosa, lo tendrá que levantar en sus brazos para que alcance la altura. 
Los primeros museos del Holocausto, empezando por el de Washington del siglo pasado, enfocaban la mayoría del material en el horror más crudo, casi pornográficamente. 
Lo que intentan las nuevas tendencias es educar sin estresar.
La excelencia de la exposición combina el relato multimedia con los objetos propios de la memoria del pueblo judío. 

Los trajes, documentos personales, valijas, una Torá, comparten vitrina con armas y uniformes. La idea es poder contar la historia desde diferentes puntos de vista: nazis, víctimas y personas que miraban sin hacer nada.
Tres momentos se destacan muy por encima del resto, y los tres están más destinados a emocionar al espectador que a enseñarle historia. 
La Sala solución final –a la que Becker llama por su nombre espacial: el galpón–, la Sala sensorial que viene inmediatamente después y la culminación del recorrido con el gadget de Spielberg.

         La Sala galpón es el corazón del proyecto. 
Tiene dimensiones de auditorio, anfiteatro y exposición, y en su doble altura exhibe una instalación que hicieron los técnicos de sistemas: una pantalla enorme que corona su parte superior. 
Allí aparecen los nombres y apellidos de las víctimas, uno a uno, y se van volatilizando hacia arriba a medida que van siendo reemplazados por nombres nuevos. “Seis millones de víctimas, seis millones de nombres; para volver a leer uno de ellos deberás esperar 730 días”. 
La instalación tiene su antecedente en “7305”, que el artista plástico Luis Campos Cáceres hizo para la Amia en el año 2014, donde en lugar de nombres había fechas que se sucedían hasta llegar al día 18 de todos los meses, recordando el atentado del 18 de julio de 1994 con la frase “SIN VERDAD Y SIN JUSTICIA”. Una versión electrónica de la misma aún puede contemplarse en la estación PASTEUR – AMIA del Subte B.


La Sala sensorial es una simulación de uno de los vagones del tren que entraba a Auschwitz. Becker explica: “El proyecto recrea ese encierro para hacerle sentir al espectador lo mi
smo que sintieron las personas en su viaje hacia el campo de concentración”. 
Según los testimonios de los sobrevivientes, fue una de las experiencias más traumáticas. Se ven los durmientes pasando a velocidad entre los huecos de las maderas del piso del vagón, en forma de película continua. La instalación provoca un malestar cercano al mareo, y es imposible de fotografiar. Solamente puede sentírsela y sufrirla en vivo y en directo.

Dejé para el final el golazo del Museo. Si todo lo que escribí antes no te mueve a visitarlo, si lo que escuchás en la App no te emocionó y dieron ganas, con esta te convenzo. 

Hay un hecho real: nuestra generación va a ser la última que va a poder charlar cara a cara con un sobreviviente. Para eso sirve el trabajo de “Generaciones de la Shoá” que nombré antes: pasar de boca en boca la historia personal, de los mayores a los jóvenes. 

En dicho proyecto cada sobreviviente le cuenta lo sufrido a su ahijado o ahijada; el joven será quien ahora replique el recuerdo (el proceso en su totalidad puede seguirse en el documental “Monumento”, de Fernando Díaz). Pero… ¿qué pasaría si hiciéramos un ensayo de inteligencia artificial que contenga una imagen del sobreviviente en escala real, con las historias contadas y vueltas a contar directamente de su boca? O sea: armar un clon, un sustituto virtual del sobreviviente y ponerlo a contestar preguntas para toda la eternidad.
El experimento lo realizó la Shoah Foundation de Steven Spielberg junto a la USC de California –es una Universidad, porque según Spielberg los patrimonios de la memoria deber ser administrados por universidades y no por gobiernos, para que su uso sea académico y no tendencioso- y la gran Lea Zajac de Novera, que estuvo hasta los dos años en el gueto de Pruzany y después en Auschwitz-Birkenau. 

Lea grabó respuestas a más de 1000 preguntas durante cinco días –unas 25 horas reales de filmación- con el objeto de sanear las consultas de los visitantes. 
Aparece sentada en un sillón, presidiendo desde una pantalla el último salón del Museo. Delante hay un micrófono y un mouse. Cliqueamos y le preguntamos lo que sea. Me adelanto a averiguar cuál es la última película que vio. “Éxodo”, responde. Becker le pide que nos cante una canción; ella lo hace en yiddish, a capela. 
Le pregunto si todavía tiene pesadillas. “Los primeros años soñaba que me querían atrapar y yo corría y me encontraba encerrada entre paredes. No sé donde estoy, quiero salvarme y nadie me ayuda. También soñé durante años con árboles de panes, pero este era un sueño bueno”.
Entre los presentes está el ingeniero Ariel Shapira, Secretario Ejecutivo del Museo, quien afirma que lo más difícil fue educar el programa de reconocimiento de voces -de Google- para que advierta los múltiples acentos de las provincias argentinas. 
La segunda dificultad vino con el concepto de diálogo: el programa no toma palabras, sino frases. Hubo que coachear a la doble virtual de Lea. Cuanto más se equivocaba en contestar, una entrenadora del museo le iba indicando las respuestas correctas, y el programa las corregía. 
La próxima vez el modelo dará una respuesta más cercana a la realidad. Lea ya puede contestar más de 2000 cuestionamientos con un mínimo margen de error. Shapira le dice: “Lea, ¿qué mensaje tenés para nosotros?”.
“Mi legado es que no haya más guerras en el mundo. Que la gente sea más comprensiva y que trate de convivir. Que no haya diferencias y no se discrimine. Que la gente sea apreciada por lo que es, y no por su religión o raza. Que la gente aprenda a convivir en la diversidad. No discriminar. Tratar de defender la paz y el clima del globo terráqueo. Y que no haya guerras, quiero repetir”, insiste ella.

Queremos lo mismo, hermosa Lea."

martes, 25 de febrero de 2020

nota iluminacion patrimonio

Simon ilumina tres puntos emblemáticos de la ciudad de Mérida

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La plaza de las Méridas del Mundo, la muralla de la Alcazaba Árabe y el acueducto de los Milagros, fueron los monumentos en los que se realizaron los proyectos de iluminación

Con información de Simon
Mérida (España), según la tradición historiográfica, fue fundada como colonia romana en el año 25 a. C. por orden del emperador Octavio Augusto y fue considerada una de las más importantes de toda Hispania, dotada con todas las comodidades de una gran urbe romana y como capital de toda la Diócesis de Hispania durante el siglo iv. Tras las invasiones bárbaras siguió siendo una importante ciudad del Reino Visigodo hasta el 713, cuando cayó en manos musulmanas que la convirtieron en capital de la Cora de Mérida.
La ciudad es atravesada por los ríos Guadiana y Albarregas, y su «Conjunto arqueológico de Mérida» fue declarado por la Unesco, en 1993, Patrimonio de la Humanidad, debido a su importante interés histórico y monumental.
Ahora la ciudad podrá presumir de una nueva iluminación que resalta la belleza de tres de los monumentos más importantes: la plaza de las Méridas del Mundo, la muralla de la Alcazaba Árabe de Mérida y el acueducto de los Milagros, los cuales fueron iluminados con tecnología de Simon.
Comenzando en la plaza de las Méridas del Mundo que se sitúa a la sombra de los muros de la Alcazaba, se puede ver el monumento en forma de obelisco que representa a todas las ciudades del mundo que comparten el mismo nombre: dos en México (Chiapas y Yucatán), una en Venezuela, y otra en Filipinas. Para su iluminación se emplearon luminarias Fogo en versión RGB (luz de color).
Para esta obra, se han instalado diez proyectores con óptica CMM (cónica media) que permitieron crear efectos muy escenográficos en los muros de la plaza. Además, para satisfacer la necesidad de controlar la luz, se incluyó el sistema de control Scena, programado con un ciclo de color durante el fin de semana, y programaciones especiales en días señalados gracias a la opción de calendarizar el sistema. Para este proyecto, Simon también proporcionó las columnas en las que se colocaron los proyectores.
La muralla de la Alcazaba Árabe de Mérida, la más antigua fortificación musulmana de la Península ibérica, construida por Abderramán II en el año 835 y declarada Patrimonio de la Humanidad como parte del conjunto arqueológico de Mérida, ha sido el segundo proyecto iluminado por Simon.
En este caso, el alcalde de la ciudad, Antonio Rodríguez Osuna, sugirió mantener el mismo modelo de proyector para todo el perímetro de la muralla, incluyendo la plaza, inspirándose en otros proyectos alrededor del mundo para apoyar campañas relacionadas con la celebración del día de la ecología (color verde), el día del agua (color azul) o el día de la mujer (color rosa), entre otros.
Desde el punto de vista luminotécnico, lo más interesante del proyecto es el muro que la rodea, cuyo perímetro, casi cuadrado, es de unos 550 metros; 2,70 metros de grosor y 10 metros de altura fabricados en su mayoría con sillares de granito que reutilizan obras romanas y visigodas.
El reto para Simon fue iluminar uniformemente el muro desde postes frontales, ya que la iluminación con proyectores adheridos al muro de abajo hacia arriba, pues aunque luminicamente funcionara muy bien, se generaba un exceso de contaminación lumínica.
El equipo de proyectos de Simon resolvió este desafío presentando un proyecto con cálculos lumínicos y planos de CAD que facilitaron la instalación, mientras que se realizó un soporte de la presentación con renders que simulaban con gran realismo el resultado final.
En total, para el proyecto se instalaron 48 proyectores Fogo y Milos en blanco cálido 3.000 K, con ópticas RJ y RE a una altura de 5 metros en columnas, brazos y crucetas también de Simon, con las que fue posible iluminar de forma uniforme el espectacular muro de piedra para conseguir una integración de las luminarias en el entorno.
Por otro lado, la iluminación del Acueducto de los Milagros, una de las estructuras que antiguamente suministraban agua a la ciudad en la época romana, se realizó con el proyector Milos M con óptica CME (23 unidades en total), también desde poste frontal y en parejas de proyectores, con una temperatura de 4.000 K, con la que fue posible mostrar el interesante contraste de la elegante silueta del acueducto recortada en la oscuridad. En este caso, con la idea de integrar el proyector en el entorno, se personalizó el color del soporte también en oxicor.
El plan del proyecto de iluminación urbana fue presentado en mayo del 2019 en el Simposium Nacional de Alumbrado, organizado por el Comité Español de Iluminación por Meritxell Lázaro, Responsable de proyectos de iluminación en Simon y el propio Ángel Cid, técnico municipal de Mérida.
Más información en Simon

domingo, 16 de febrero de 2020

El ARQUA, a la búsqueda del navío 'Nuestra Señora del Juncal'


15-2  Patrimonio sumergido. El ARQUA, a la búsqueda del navío 'Nuestra Señora del Juncal'por El Rompeolas.
programa Murcia España

España y México emprenderán este año una campaña arqueológica conjunta para continuar con la localización de los restos del 'Nuestra Señora del Juncal', uno de los dos buques insignia de la Flota de Nueva España

entrevistado Iván Negueruela, director del ARQUA
Museo Nacional de Arqueología Subacuática de Cartagena Murcia España (Arqua) 
Iván Negueruela, director del ARQUA22:03

EL ROMPEOLAS. Patrimonio sumergido. El ARQUA, a la búsqueda del navío 'Nuestra Señora del Juncal'

España y México emprenderán este año una campaña arqueológica conjunta para continuar con la localización de los restos del 'Nuestra Señora del Juncal', uno de los dos buques insignia de la Flota de Nueva España
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15/02/2020 11:54








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El navío se hundió en las costas de México en 1631. Esta nueva campaña, que se llevará a cabo durante diez días en mayo, estará cofinanciada por ambos países y contará con la participación de un equipo del Museo Nacional de Arqueología Subacuática, ARQVA. Hablamos con su director, Iván Negueruela, doctor en Arqueología y Prehistoria. También no avanza otro proyecto conjunto:el intento de localizar los barcos de Hernán Cortés.

miércoles, 27 de noviembre de 2019

Google lanza una colección digital dedicada al estilo único de la Bauhaus




Madrid, 27 nov (EFE).- 
Desde las fiestas con temática de metal que organizaban sus estudiantes hasta la reproducción de edificios nunca construidos, la nueva colección digital de Google Arts & Culture, "Bauhaus en todas partes", recoge todos los secretos de la escuela alemana que revolucionó el arte, el diseño y la arquitectura.

"Sigue siendo importante hablar de la Bauhaus porque hay ecos suyos en todos los aspectos de la vida", explica en una charla con periodistas el director del programa de Google Arts & Culture, Simone Rein, sobre un movimiento que nació con el objetivo de mejorar las condiciones de vida de las personas a través del diseño moderno.


Bajo el subtítulo "Huellas de una escuela de diseño en nuestra vida cotidiana", la colección hace un recorrido por toda la historia del movimiento desde su fundación en la ciudad de Weimar en 1919 hasta la identificación de su influencia actual en elementos tan cotidianos como las señales del metro.

Se han tardado trece meses en digitalizar toda la colección y en generar las herramientas necesarias para poder "utilizar la tecnología para contar historias de la mejor forma posible", según Rein.

El uso de esa tecnología es especialmente visible en la recreación en 3D y realidad aumentada de bocetos de edificios diseñados por estudiantes que nunca llegaron a realizarse en la vida real. 
De esta forma, se puede recorrer tanto el interior como el exterior de tres construcciones digitales: The Rundhaus, Bambos y Courthouse.


"En los planos los detalles eran vagos porque no eran definitivos, así que tuvimos que trabajar con nuestro equipo de diseño, una agencia de arquitectura y los expertos de la Bauhaus para completar los detalles y que todo encajase con la idea original", explica Michelle Luo, directora de los proyectos de realidad aumentada de Google Arts.

Además de la arquitectura nunca realizada, se puede hacer un recorrido vía satélite de todas las construcciones históricas que sí existen a lo largo del mundo y las contemporáneas que se han inspirado en esta estética.

La colección también incluye curiosidades sobre el espíritu de la Bauhaus, como la posibilidad de vivirla desde la piel de sus estudiantes, desde la carta de aceptación hasta la primera vez que se pisa el mítico edificio de la escuela, la Universidad de Dessau, reproducida con imágenes rescatadas de la época.


Sin embargo, "lo más importante no era estudiar sino las fiestas", bromea Rein, que explica que las juergas en la Bauhaus eran "legendarias", sobre todo la famosa Fiesta del Metal de 1929, en la que todos los estudiantes debían llevar elementos metálicos "que luego se incorporaban en la decoración de sus creaciones".

Aunque los cerebros principales detrás de este movimiento eran en su mayoría hombres, como Walter Gropius, Hannes Meyer o Ludwig Mies van der Rohe, sus tres directores, "Bauhaus en todas partes" se encarga también de recordar la importancia que tuvieron las mujeres en esta institución.

Así se puede saber que su fundador Gropius estableció una política secreta de estándares de admisión más altos por el miedo a que una escuela dominada por mujeres no fuera tomada en serio o que Marianne Brandt fue la encargada de diseñar un pequeño infusor de té que tiene el récord del precio más alto jamás pagado en una subasta por un objeto Bauhaus.

Las obras de Wassily Kandinsky o el modelo de silla Wassily de Marcel Breuer son otros de los elementos reproducidos en alta calidad que podrán recorrerse en la colección sobre el movimiento que sentó las bases del diseño industrial y gráfico actual. EFE

martes, 16 de julio de 2019

Las mujeres de la Bauhaus, historia oculta del arte del siglo XX




MDR/UFA FICTION/STANISLAV HONZIK

por Paco Pepe Gil1para Port El Periodico


Formaron parte de una de las grandes revoluciones estéticas de la era moderna, pero sus aportaciones fueron silenciadas o menospreciadas. 'Bauhaus' es la película que intenta hacerle algo de justicia a las mujeres que se formaron en la escuela de arquitectura y diseño más influyente de la historia.
En el centenario de la fundación de la Bauhaus, una película recoge el papel que desempeñaron las mujeres que pasaron por esta escuela de arquitectura y diseño. Aunque fue la primera institución educativa que las admitió en su programa, su papel en el movimiento fue muy limitado y terminaron siendo una nota a pie de página.
La película Bauhaus (Lotte am Bauhaus es su título original), dirigida por Gregor Schnitzler con el apoyo de la actual directora del Archivo Bauhaus, Annemarie Jaegg, cuenta el papel que desempeñaron las mujeres que formaron parte esta revolucionaria escuela de arquitectura y diseño que terminó convirtiéndose en uno de los movimientos más importantes del siglo XX. 

Fundada en 1919, la Bauhaus nació con la pretensión de liquidar el estancamiento estético y conceptual en el que se encontraba el Imperio Alemán y dar impulso a una nueva era.

Un comienzo esperanzador

El film, con el que la televisión pública alemana ha conmemorado el centenario del nacimiento de la icónica Academia de Diseño, recoge la historia de una joven estudiante de este centro principios de la década de 1920. La protagonista de la película es la actriz Alicia von Rittberg, que encarna una figura ficticia llamada Lotte Brendel, una joven estudiante que desafía la voluntad de sus padres y decide ingresar en la Bauhaus.




Su rol está inspirado en la vida real de Alma Siedhoff-Buscher, una de la las numerosas mujeres que pasaron por esta academia y que dedicó la mayor parte de su tiempo a desarrollar juguetes especialmente para niños. 
Nacida en 1899 en Kreuztal, ingresó en la Bauhaus en 1922 tras haber completado una serie de estudios relacionados con el arte. 
Tres años más tarde consiguió que se aceptara su traslado al taller de Diseño de Mobiliario y fue la única mujer que estuvo en él.

Alma fue una gran diseñadora de mobiliario infantil y de juguetes, campo al que aportó una serie de importantes innovaciones, partiendo de sus investigaciones en pedagogía infantil y ahondando en la obra de Friedrich Fröbel. 

Diseño cuartos para niños llenos de colores, en los buscaba sobre todo motivar la estimulación y la imaginación infantil. Paredes que se convertían en pizarras y que eran lavables y muebles muy funcionales que se transformaban en rincones de juego, fueron algunas de sus principales aportaciones.

La escuela Bauhaus tuvo un comienzo muy esperanzador para las mujeres ya que como anunció su fundador, el arquitecto, urbanista y diseñador Walter Gropius: “No hay diferencias entre el bello sexo y el fuerte. 

Igualdad absoluta pero también deberes absolutamente iguales”. 
De hecho, durante la etapa de Weimar las mujeres fueron mayoría, pero ese espejismo duró poco tiempo y ellas pasaron a participar en programas específico orientados hacia lo domestico y la mayoría terminó en talleres de tejidos y la cerámica.



La escuela Bauhaus fue una institución reconvertida en una comunidad preocupada en dar una serie de respuestas certeras a las necesidades sociales a través de la creatividad, el urbanismo, el diseño y la arquitectura. 
Su influencia en estos terrenos así como en el arte ha sido fundamental y muy influyente a lo largo del siglo XX.
Este drama histórico muestra no solo los problemas a los que debió enfrentarse la Bauhaus, especialmente una resistencia política en Alemania que determinó su eventual cierre en 1933 durante el régimen nazi, sino también las dificultades que tuvieron que encarar las mujeres en una época en la que su papel en la sociedad estaba muy limitado.
El papel de la mujer en la Bauhaus

Al cumplir un siglo de existencia, numerosos intelectuales, artistas y diseñadores de todo el mundo han analizado con detalle la historia de lo que ocurrió entre las paredes de este histórico centro. 

Innovador y desafiante levantó una gran polvareda con su decisión de permitir el acceso a las mujeres a sus programas de estudio. 
No hay que olvidar que fue la primera institución educativa que admitió abiertamente mujeres en su seno. 
No obstante, ellas nunca fueron tratadas –ni vistas- igual que sus homólogos masculinos y su participación siempre fue derivada hacia papeles secundarios. 
A pesar de todo, su protagonismo, ya fuera como alumnas o también como profesoras fue realmente importante.



La historia de todas esas mujeres podía haber quedado marginada y condenada al olvido, sin embargo muchos de sus nombres han trascendido hasta nuestros días. Personajes que, además de interesantes proyectos y trabajos, realizaron una importante tarea en la confrontación de la lucha por la igualdad. 
Entre otras muchas destacan las figuras de la diseñadora textil, tejedora, pintora y diseñadora alemana, que además fue profesora en la propia Escuela Bauhaus, Anni Albers; la pintora, escultora y diseñadora industrial Marianne Brand; la también profesora Gunta Stölzl; la artista de cerámica alemana de origen judío que estudió en la Bauhaus Margarete Heymann-Loebenstein; la fotógrafa Gertrud Arndt, casada con el arquitecto alemán Alfred Arndt; la pintora Lou Scheper-Berkenkamp; o la tejedora y diseñadora textil Benita Koch-Otte.

Todas ellas desarrollaron una obra original, vanguardista, inspiradora y artística, hasta el punto de que en muchos de los casos sus obras han trascendido a lo largo de los años y se han terminado exponiendo en museos y galerías.

Como bien señala la actual directora del Archivo Bauhaus, Annemarie Jaegg: “La película da una idea de la creatividad, curiosidad y pasión que se vivió en aquel centro de experimentación que fue la Bauhaus”.




Una historia dramatizada de un fundamente básico en la cultura y el arte del siglo pasado. Lotte am Bauhaus, tal y como explican los productores del film, Nico Hofmann y Benjamin Benedict, se centra en el duro esfuerzo por su emancipación al que se vieron sometidas una generación de mujeres. 
La película nos muestra en algo más de cien minutos esta batalla y el ámbito de creatividad que se vivió en la Bauhaus durante los 14 años de su existencia.

Una mirada vibrante y llena de entusiasmo que llega al espectador a través de los ojos de una de sus jóvenes mujeres que intentaron contribuir con su talento y su esfuerzo a una de las grandes revoluciones estéticas de la era moderna.

martes, 11 de junio de 2019

Antoni Gaudí, el genio que imaginaba la arquitectura



por CARLOS LOSADA para 65yMas
Recordamos curiosidades de su vida en el aniversario de su fallecimiento


Antoni Gaudí es uno de los arquitectos más famosos y reconocidos de todos los tiempos. A día de hoy, 93 años después de su muerte un 10 de junio de 1926, sus trabajos siguen dejando boquiabiertos a quienes los visitan. De hecho, su gran obra inacabada, la Sagrada Familia (@sagradafamilia) de Barcelona es el monumento más visitado de la Ciudad Condal y uno de los más populares de Europa.

De los edificios que llevan su firma se ha escrito y leído de todo. A fin de cuentas, cómo no explayarse con unas obras que cambiaron la fisonomía de Barcelona: Casa Vicens, Parque Güell, Casa Batlló, Casa Milá… Sin embargo, su vida también arroja datos interesante
s.

Curiosidades sobre Antoni Gaudí
Debido a su frágil salud (especialmente en su niñez), cuidaba mucho lo que comía. Por ello Gaudí era vegetariano.
Al arquitecto catalán le gustaba mucho la naturaleza. Esto no solo se podía observar en la esencia de sus obras, más cercana a las formas que el medio ambiente ofrece que a las rectas y ángulos propios de las construcciones humanas, sino porque además fue miembro del Centro Excursionista de Cataluña.
Aunque para costearse la carrera de arquitectura tuvo que trabajar como delineante de otros constructores y arquitectos, Gaudí era poco amigo de los planos. 
Prefería recrear sus futuras obras en tres dimensiones, con maquetas que reflejaran perfectamente cómo debía ser el resultado final.
Ese modo de trabajar lo combinaba con su gusto por integrar trabajos artesanales como la forja de hierro, la creación de vidrieras o la cerámica.
Soltero durante toda su vida, Gaudí era conservador y sumamente religioso. 
Perteneció al Círculo Artístico de San Lucas (una sociedad católica) y a la Lliga Espiritual de la Mare de Déu de Monserrat.
Llegó a pedir limosna para sufragar las obras de la Sagrada Familia.
En su vejez, dejó de importarle su aspecto físico. 
Prefería vestir viejos trajes y zapatos. 
Esto provocaba que en ocasiones le llegaran a confundir con un mendigo. 
Precisamente eso fue lo que ocurrió cuando murió atropellado por un tranvía. 
Al ver su apariencia, nadie reconoció al popular arquitecto (ya entonces era famoso). 
Así que lo llevaron a un hospital para personas pobres, donde no fue atendido a tiempo. Moriría a los tres días y sería enterrado con una gran expectación.

miércoles, 1 de mayo de 2019

MAR DEL PLATA, ARGENTINA El club Ariston

Bauhaus a los 100
porJade-nieve Joachim , Alex Marshall Josephine Sedgwick Eden Weingart , 18 de abril de 2019

En abril de 1919, el arquitecto Walter Gropius fundó una de las escuelas de arte y diseño más influyentes de la historia: la Bauhaus. 
Los estudiantes aprendieron a centrarse en la simplicidad y la funcionalidad. 
Los profesores preferían los colores primarios y las formas atrevidas. 
Al ver la escuela como un hervidero de intelectualismo utópico, los nazis forzaron su cierre en 1933, dispersando a los maestros, estudiantes y la estética de Bauhaus en todo el mundo. 

La escuela cambió todo, desde muebles hasta diseño gráfico. 
Pero el mayor legado de la Bauhaus está en la arquitectura. 
Aquí es donde se encuentra ese legado en 
Argentina , Nigeria , Israel , Australia , Irak , Estados Unidos e India .

In April 1919, the architect Walter Gropius founded one of the most influential art and design schools ever: the Bauhaus. Students learned to focus on simplicity and functionality. Teachers favored primary colors and bold shapes. 
Seeing the school as a hotbed of utopian intellectualism, the Nazis forced its closure in 1933, scattering Bauhaus teachers, students and aesthetics across the globe. 

The school changed everything from furniture to graphic design. 
But the Bauhaus’s biggest legacy is in architecture. Here’s where that legacy stands in 
ArgentinaNigeriaIsraelAustraliaIraq, the United States and India


publicado en New York Times
Diseñado por Marcel Breuer y otros, incluido Carlos Coire en 1947.

MAR DEL PLATA, ARGENTINA

The Ariston Club

Designed by Marcel Breuer and others, including Carlos Coire in 1947.

Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian


Mientras estaba en el país impartiendo un seminario en la Universidad de Buenos Aires, a Marcel Breuer se le pidió que ayudara a diseñar un club social para un resort de playa en la costa atlántica de Argentina.

Abandonado, el Ariston Club en Mar del Plata, a unas 250 millas al sur de Buenos Aires, fue una vez un próspero salón de baile. 
Dijo Sol Marinucci de Trimarchi, un grupo que organiza un festival de diseño en ese lugar, donde almorzaba con vista al mar y se divertía por la noche, una vez tenía una pista de baile giratoria y fiestas que tiraban polvos de talco para obtener un mejor agarre.

Hugo Kliczkowski-Juritz, un arquitecto argentino que vive en Madrid, vio el edificio como un niño. Su importancia arquitectónica solo se hizo evidente para él en su vida posterior, mucho después de que el edificio se dividiera y convirtiera en restaurantes, y luego se dejara desocupado.

"La universidad invitó a Breuer a hacer un seminario, y Carlos Coire , otro arquitecto, le dijo: '¿Por qué no haces un pequeño edificio conmigo para ser un imán para llevar gente a esta área?'", Dijo el Sr. Kliczkowski. - dijo Nuritz. "Estaban almorzando, y [Breuer] desdobló su servilleta y dibujó el diseño del trébol de inmediato".

El Sr. Kliczkowski-Juritz ahora está liderando una campaña en línea para que el edificio sea declarado monumento histórico y sea restaurado. "La gente me escribe y me dice: '¿Por qué haces esto? ¿Por dinero?' Y yo digo: 'No, es porque creo que un edificio como este necesita ser reconstruido'. No deberías destruir la historia. Es parte de nuestra identidad ".




While in the country teaching a seminar at the University of Buenos Aires, Marcel Breuer was asked to help design a social club for a beach resort on Argentina’s Atlantic coast.

Now derelict, the Ariston Club in Mar del Plata, some 250 miles south of Buenos Aires, was once a thriving dance hall. A place for lunch overlooking the sea and fun at night, it once had a revolving dance floor and partiers would throw down talcum powder to get a better grip when barefoot, said Sol Marinucci of Trimarchi, a group that organizes a design festival there.

Hugo Kliczkowski-Juritz, an Argentine architect who lives in Madrid, first saw the building as a child. Its architectural importance only became clear to him in later life, long after the building had been divided and converted into restaurants, then left unoccupied.

“The university invited Breuer to do a seminar, and Carlos Coire — another architect — said to him, ‘Why don’t you do a little building with me to be a magnet to bring people to this area?’,” Mr. Kliczkowski-Juritz said. “They were having lunch, and [Breuer] unfolded his napkin and drew the clover design on it immediately.”

Mr. Kliczkowski-Juritz is now leading an online campaign for the building to be declared a heritage monument and restored. “People write to me and say, ‘Why are you doing this? For money?’ And I say, ‘No, it’s because I think a building like this needs to be rebuilt.’ You shouldn’t destroy history. It’s part of our identity.”

Marcel Breuer Papers, Centro de Investigación de Colecciones Especiales, Bibliotecas Universitarias de Syracuse.


Marcel Breuer Papers, Centro de Investigación de Colecciones Especiales, Bibliotecas Universitarias de Syracuse.


Hernan Zenteno para The New York Times

Hernan Zenteno para The New York Times


Hugo Kliczkowski-Juritz, un arquitecto argentino

"No es el mejor edificio de Breuer, pero es el único en Sudamérica".


Hugo Kliczkowski-Juritz, an Argentine architect

“It’s not Breuer’s best building, but it’s his only one in South America.”


Hernan Zenteno para The New York Times



Hugo Kliczkowski-Juritz

“Ha habido mucho vandalismo, la gente entra y enciende incendios. El edificio está en forma de trébol y el concreto está allí, pero todas las ventanas, todo lo demás, se destruye ".


Hugo Kliczkowski-Juritz

“There’s been a lot of vandalism — people go inside and start fires. The building is in a clover shape and the concrete is there, but all the windows, everything else, is destroyed.”

lunes, 22 de abril de 2019

Premio Gubbio 2019 sección América Latina y el Caribe



Desde la Dirección General Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, en conjunto con la Asociación Nacional de Centros Históricos-Artísticos, la Oficina del Historiador de la Ciudad de la Habana y CICOP Argentina, tenemos el agrado de invitarlos a participar en una nueva edición del “PREMIO GUBBIO 2019 SECCIÓN AMÉRICA LATINA Y EL CARIBE”.
El objetivo perseguido es promover la divulgación de los avances teóricos, las buenas prácticas y las modalidades de gestión que presentan soluciones a las múltiples problemáticas que se plantean en materia de protección patrimonial y recalificación urbana.

Según Stefano Storchi, Encargado de Relaciones con América Latina y el Caribe de la ANCSA, “el despoblamiento de los centros históricos, su mutación de uso, la degradación de las viviendas, el progresivo envejecimiento poblacional, la obsolescencia de los sistemas de infraestructura y de movilidad y las modalidades de reutilización de los vacíos urbanos son términos comunes sobre los que resulta ineludible confrontar y hacer un balance de las experiencias que en las últimas décadas se han materializado en los distintos contextos políticos, sociales y culturales”.

El reconocimiento de esta situación del patrimonio urbano en nuestras ciudades nos lleva a comparar experiencias para descubrir nuevas respuestas a sus necesidades.

Los trabajos a ser admitidos para concursar podrán ser estudios, investigaciones, intervenciones en el patrimonio edilicio y urbano, mecanismos de gestión implementados, en el marco de una utilización física, económica y social del patrimonio existente. 
Está abocado principalmente a intervenciones de recuperación y regeneración del patrimonio edificado y/o iniciativas de gestión y de organización en el marco de estrategias de recalificación de ámbitos urbanos y/o territoriales.

Es muy importante que las propuestas sean canalizadas a través de un organismo público que otorgue un marco legal mínimo pero necesario a la presentación, tal como especifica el artículo 1º del Reglamento del Premio. 
Por esta razón sugerimos que vuestro envío sea distribuido a través de una oficina del gobierno local a la cual podamos recurrir en caso de requerir más información.

Los mejores trabajos formarán parte de una muestra a realizarse en Buenos Aires en septiembre de 2019, momento en que se informará el ganador de Premio y demás distinciones. 
La ocasión coincide con las IX Jornadas Internacionales sobre Experiencias de Revitalización de Cascos Históricos que esta organiza esta Dirección General. 
Las fechas se comunicarán oportunamente.

Aquellos que estén interesados en participar, deberán observar las condiciones establecidas en el reglamento que se adjuntan. 
Para consultas, podrán dirigirse a los coordinadores designados:

· por la Dirección General Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Andrea Cerletti, acerletti@buenosaires.gob.ar tel.: 4323-9400 int.: 2723.
· por la Oficina del Historiador de la Ciudad de la Habana: Ayleen Robaina Barcia ayleen@planmaestro.ohc.cu

Bases para participar
La Asociación Nacional de Centros Históricos Artísticos (A.N.C.S.A.), el Ayuntamiento de Gubbio, la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico (DGPMyCH) dependiente de la Subsecretaría de Gestión Cultural, del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana (OHCH), en colaboración con el Centro Internacional para la Conservación del Patrimonio, Argentina (CICOP), presentan el:

“Premio Gubbio 2019. Sección América Latina y el Caribe”

El Premio tiene como fin promover un avance concreto en las directrices y en los criterios de intervención sobre el patrimonio edificado existente y sobre la recalificación de ámbitos urbanos y territoriales. Se encuentra dirigido a la Administración Pública, a través de obras realizadas por operadores públicos y privados.

En la evaluación de los proyectos presentados se tendrán en particular consideración los elementos innovadores que se encuentren relacionados con las orientaciones culturales y operativas de la A.N.C.S.A., la DGPMyCH y la OHCH sobre la conservación, reutilización compatible y valorización de los edificios y de los contextos históricos urbanos y territoriales en el sentido del fortalecimiento de la unidad del paisaje histórico-urbano. Tales orientaciones pueden ser resumidas de la siguiente manera:

-  adecuado proyecto de reutilización física, social y económica del patrimonio edificado existente;
-  adecuada inserción del proyecto en el contexto urbano;
-  estrecha integración entre las previsiones urbanísticas y el proyecto arquitectónico;
- planes de manejo y propuestas eficaces de gestión económica, ambiental y social de las intervenciones;
-  carácter innovador de la propuesta.


REGLAMENTO DEL PREMIO

Artículo 1º. El tema del “Premio Gubbio 2019 Sección América Latina y el Caribe” está referido a: “Intervenciones de recuperación del patrimonio edificado y/o iniciativas de gestión y de organización en el marco de estrategias de recalificación de ámbitos urbanos y/o territoriales”, y se halla abierto a la Administración Pública a través de obras realizadas por operadores públicos y/o privados de los países de América Latina y el Caribe, que resultan promotores y/o ejecutores de estudios, proyectos e intervenciones realizadas (o con un grado de implementación superior al 50 %) hasta el 30 de abril de 2019. Los candidatos tienen la máxima libertad en el tipo de propuestas que serán sometidas a juicio, basadas en el respeto por el tema y en las orientaciones expuestas anteriormente.

Artículo 2º.  Los trabajos enviados, deben satisfacer los siguientes requisitos:
a) Memoria descriptiva del proyecto: en formato A4 y deberá contener como máximo 18.000 caracteres (espacios incluidos), en formato Word; fuente Arial; tamaño 12; interlineado sencillo. El texto deberá enviarse obligatoriamente en formato digital.
b) Planos e imágenes: los planos, archivos con extensión DWG (Autocad); las imágenes, archivos con extensión TIFF, EPD o JPG, resolución 300 DPI.
c) Láminas síntesis: Deberán armarse 3 láminas que reflejen las características del proyecto en forma sintética. En las mismas no deben figurar logos institucionales ni identificadores de personas. Serán enviadas, con una resolución reducida, vía mail en el momento de la convocatoria, junto a la memoria descriptiva. Las dimensiones serán de 100cm de alto y 70cm de ancho y deberán respetarse obligatoriamente.

Para más información y aclaración remitirse a:

Coordinación en Buenos Aires: Andrea Cerletti. acerletti@buenosaires.gob.ar
Coordinación en La Habana: Ayleen Robaina Barcia. ayleen@planmaestro.ohc.cu

Artículo 3º. Los trabajos se recibirán vía digital a partir del 03 de abril de 2019 hasta el 17 de mayo de 2019. Deberán remitirse a la casilla de correo a: acerletti@buenosaires.gob.ar
En base al orden de llegada, la Coordinación del Premio asignará a los trabajos recibidos un número progresivo que se convertirá en un número de registro.

Artículo 4º. El Jurado estará constituido de la siguiente forma:
Dos representantes de ANCSA
Un representante de la DGPMyCH
Un representante de la OHCH
Un representante del CICOP

Artículo 5º. El jurado examinará los trabajos presentados y previa selección de las mejores propuestas, procederá, con juicio inapelable, a la selección del ganador e indicará, como máximo, otros diez candidatos que merezcan mención especial de carácter honorífico. El “Premio Gubbio 2017 Sección América Latina y el Caribe” será adjudicado a la mejor propuesta considerada según las especificaciones del presente Reglamento. Consistirá en un elemento simbólico y un diploma a ser entregados a la ciudad.  A las propuestas que se considera que ameritan una mención, les será entregado un “Certificado de Mérito”.

Artículo 6º.  El Jurado expresará los motivos de selección de la propuesta premiada y de las consideradas meritorias de mención, precisando cuáles han sido los criterios generales de selección y de juicio. Dicho texto explicativo será difundido y curado en forma conjunta por la ANCSA, la DGPMyCH y la OHCH, y será parte de la ceremonia de premiación.
El premio será entregado en la ciudad de Buenos Aires en el mes de Septiembre, en un encuentro público. Para tal ocasión será montada una muestra del proyecto premiado y de los demás preseleccionados. La fecha y lugar de la premiación serán difundidos oportunamente.
Dicha muestra podrá itinerar en las ciudades que así lo soliciten, quedando a su cargo los gastos que originen el traslado y montaje de la misma.

Artículo 7º. Los trabajos presentados en el “Premio Gubbio 2019 Sección América Latina y el Caribe” no serán restituidos y podrán ser incorporados al archivo del ANCSA como documentación sobre el argumento.
La DGPMyCH, la OHCH y la ANCSA se reservan además el derecho de publicación del material entregado.
La participación en el Premio implica la aceptación incondicional de lo establecido en el presente Reglamento.