Google lanza una colección digital dedicada al estilo único de la Bauhaus

Madrid, 27 nov (EFE).- 

Desde las fiestas con temática de metal que organizaban sus estudiantes hasta la reproducción de edificios nunca construidos, la nueva colección digital de Google Arts & Culture, "Bauhaus en todas partes", recoge todos los secretos de la escuela alemana que revolucionó el arte, el diseño y la arquitectura.

"Sigue siendo importante hablar de la Bauhaus porque hay ecos suyos en todos los aspectos de la vida", explica en una charla con periodistas el director del programa de Google Arts & Culture, Simone Rein, sobre un movimiento que nació con el objetivo de mejorar las condiciones de vida de las personas a través del diseño moderno.


Bajo el subtítulo "Huellas de una escuela de diseño en nuestra vida cotidiana", la colección hace un recorrido por toda la historia del movimiento desde su fundación en la ciudad de Weimar en 1919 hasta la identificación de su influencia actual en elementos tan cotidianos como las señales del metro.

Se han tardado trece meses en digitalizar toda la colección y en generar las herramientas necesarias para poder "utilizar la tecnología para contar historias de la mejor forma posible", según Rein.

El uso de esa tecnología es especialmente visible en la recreación en 3D y realidad aumentada de bocetos de edificios diseñados por estudiantes que nunca llegaron a realizarse en la vida real. 

De esta forma, se puede recorrer tanto el interior como el exterior de tres construcciones digitales: The Rundhaus, Bambos y Courthouse.


"En los planos los detalles eran vagos porque no eran definitivos, así que tuvimos que trabajar con nuestro equipo de diseño, una agencia de arquitectura y los expertos de la Bauhaus para completar los detalles y que todo encajase con la idea original", explica Michelle Luo, directora de los proyectos de realidad aumentada de Google Arts.

Además de la arquitectura nunca realizada, se puede hacer un recorrido vía satélite de todas las construcciones históricas que sí existen a lo largo del mundo y las contemporáneas que se han inspirado en esta estética.

La colección también incluye curiosidades sobre el espíritu de la Bauhaus, como la posibilidad de vivirla desde la piel de sus estudiantes, desde la carta de aceptación hasta la primera vez que se pisa el mítico edificio de la escuela, la Universidad de Dessau, reproducida con imágenes rescatadas de la época.


Sin embargo, "lo más importante no era estudiar sino las fiestas", bromea Rein, que explica que las juergas en la Bauhaus eran "legendarias", sobre todo la famosa Fiesta del Metal de 1929, en la que todos los estudiantes debían llevar elementos metálicos "que luego se incorporaban en la decoración de sus creaciones".

Aunque los cerebros principales detrás de este movimiento eran en su mayoría hombres, como Walter Gropius, Hannes Meyer o Ludwig Mies van der Rohe, sus tres directores, "Bauhaus en todas partes" se encarga también de recordar la importancia que tuvieron las mujeres en esta institución.

Así se puede saber que su fundador Gropius estableció una política secreta de estándares de admisión más altos por el miedo a que una escuela dominada por mujeres no fuera tomada en serio o que Marianne Brandt fue la encargada de diseñar un pequeño infusor de té que tiene el récord del precio más alto jamás pagado en una subasta por un objeto Bauhaus.

Las obras de Wassily Kandinsky o el modelo de silla Wassily de Marcel Breuer son otros de los elementos reproducidos en alta calidad que podrán recorrerse en la colección sobre el movimiento que sentó las bases del diseño industrial y gráfico actual. EFE

Las mujeres de la Bauhaus, historia oculta del arte del siglo XX

MDR/UFA FICTION/STANISLAV HONZIK

por Paco Pepe Gil1para Port El Periodico


Formaron parte de una de las grandes revoluciones estéticas de la era moderna, pero sus aportaciones fueron silenciadas o menospreciadas. 'Bauhaus' es la película que intenta hacerle algo de justicia a las mujeres que se formaron en la escuela de arquitectura y diseño más influyente de la historia.
En el centenario de la fundación de la Bauhaus, una película recoge el papel que desempeñaron las mujeres que pasaron por esta escuela de arquitectura y diseño. Aunque fue la primera institución educativa que las admitió en su programa, su papel en el movimiento fue muy limitado y terminaron siendo una nota a pie de página.
La película Bauhaus (Lotte am Bauhaus es su título original), dirigida por Gregor Schnitzler con el apoyo de la actual directora del Archivo Bauhaus, Annemarie Jaegg, cuenta el papel que desempeñaron las mujeres que formaron parte esta revolucionaria escuela de arquitectura y diseño que terminó convirtiéndose en uno de los movimientos más importantes del siglo XX. 
Fundada en 1919, la Bauhaus nació con la pretensión de liquidar el estancamiento estético y conceptual en el que se encontraba el Imperio Alemán y dar impulso a una nueva era.

Un comienzo esperanzador

El film, con el que la televisión pública alemana ha conmemorado el centenario del nacimiento de la icónica Academia de Diseño, recoge la historia de una joven estudiante de este centro principios de la década de 1920. La protagonista de la película es la actriz Alicia von Rittberg, que encarna una figura ficticia llamada Lotte Brendel, una joven estudiante que desafía la voluntad de sus padres y decide ingresar en la Bauhaus.



Su rol está inspirado en la vida real de Alma Siedhoff-Buscher, una de la las numerosas mujeres que pasaron por esta academia y que dedicó la mayor parte de su tiempo a desarrollar juguetes especialmente para niños. 
Nacida en 1899 en Kreuztal, ingresó en la Bauhaus en 1922 tras haber completado una serie de estudios relacionados con el arte. 
Tres años más tarde consiguió que se aceptara su traslado al taller de Diseño de Mobiliario y fue la única mujer que estuvo en él.

Alma fue una gran diseñadora de mobiliario infantil y de juguetes, campo al que aportó una serie de importantes innovaciones, partiendo de sus investigaciones en pedagogía infantil y ahondando en la obra de Friedrich Fröbel. 
Diseño cuartos para niños llenos de colores, en los buscaba sobre todo motivar la estimulación y la imaginación infantil. Paredes que se convertían en pizarras y que eran lavables y muebles muy funcionales que se transformaban en rincones de juego, fueron algunas de sus principales aportaciones.

La escuela Bauhaus tuvo un comienzo muy esperanzador para las mujeres ya que como anunció su fundador, el arquitecto, urbanista y diseñador Walter Gropius: “No hay diferencias entre el bello sexo y el fuerte. 
Igualdad absoluta pero también deberes absolutamente iguales”. 
De hecho, durante la etapa de Weimar las mujeres fueron mayoría, pero ese espejismo duró poco tiempo y ellas pasaron a participar en programas específico orientados hacia lo domestico y la mayoría terminó en talleres de tejidos y la cerámica.



La escuela Bauhaus fue una institución reconvertida en una comunidad preocupada en dar una serie de respuestas certeras a las necesidades sociales a través de la creatividad, el urbanismo, el diseño y la arquitectura. 
Su influencia en estos terrenos así como en el arte ha sido fundamental y muy influyente a lo largo del siglo XX.
Este drama histórico muestra no solo los problemas a los que debió enfrentarse la Bauhaus, especialmente una resistencia política en Alemania que determinó su eventual cierre en 1933 durante el régimen nazi, sino también las dificultades que tuvieron que encarar las mujeres en una época en la que su papel en la sociedad estaba muy limitado.
El papel de la mujer en la Bauhaus

Al cumplir un siglo de existencia, numerosos intelectuales, artistas y diseñadores de todo el mundo han analizado con detalle la historia de lo que ocurrió entre las paredes de este histórico centro. 
Innovador y desafiante levantó una gran polvareda con su decisión de permitir el acceso a las mujeres a sus programas de estudio. 
No hay que olvidar que fue la primera institución educativa que admitió abiertamente mujeres en su seno. 
No obstante, ellas nunca fueron tratadas –ni vistas- igual que sus homólogos masculinos y su participación siempre fue derivada hacia papeles secundarios. 
A pesar de todo, su protagonismo, ya fuera como alumnas o también como profesoras fue realmente importante.



La historia de todas esas mujeres podía haber quedado marginada y condenada al olvido, sin embargo muchos de sus nombres han trascendido hasta nuestros días. Personajes que, además de interesantes proyectos y trabajos, realizaron una importante tarea en la confrontación de la lucha por la igualdad. 

Entre otras muchas destacan las figuras de la diseñadora textil, tejedora, pintora y diseñadora alemana, que además fue profesora en la propia Escuela Bauhaus, Anni Albers; la pintora, escultora y diseñadora industrial Marianne Brand; la también profesora Gunta Stölzl; la artista de cerámica alemana de origen judío que estudió en la Bauhaus Margarete Heymann-Loebenstein; la fotógrafa Gertrud Arndt, casada con el arquitecto alemán Alfred Arndt; la pintora Lou Scheper-Berkenkamp; o la tejedora y diseñadora textil Benita Koch-Otte.

Todas ellas desarrollaron una obra original, vanguardista, inspiradora y artística, hasta el punto de que en muchos de los casos sus obras han trascendido a lo largo de los años y se han terminado exponiendo en museos y galerías.

Como bien señala la actual directora del Archivo Bauhaus, Annemarie Jaegg: “La película da una idea de la creatividad, curiosidad y pasión que se vivió en aquel centro de experimentación que fue la Bauhaus”.



Una historia dramatizada de un fundamente básico en la cultura y el arte del siglo pasado. Lotte am Bauhaus, tal y como explican los productores del film, Nico Hofmann y Benjamin Benedict, se centra en el duro esfuerzo por su emancipación al que se vieron sometidas una generación de mujeres. 
La película nos muestra en algo más de cien minutos esta batalla y el ámbito de creatividad que se vivió en la Bauhaus durante los 14 años de su existencia.

Una mirada vibrante y llena de entusiasmo que llega al espectador a través de los ojos de una de sus jóvenes mujeres que intentaron contribuir con su talento y su esfuerzo a una de las grandes revoluciones estéticas de la era moderna.

Antoni Gaudí, el genio que imaginaba la arquitectura

por CARLOS LOSADA para 65yMas
Recordamos curiosidades de su vida en el aniversario de su fallecimiento

Antoni Gaudí es uno de los arquitectos más famosos y reconocidos de todos los tiempos. A día de hoy, 93 años después de su muerte un 10 de junio de 1926, sus trabajos siguen dejando boquiabiertos a quienes los visitan. De hecho, su gran obra inacabada, la Sagrada Familia (@sagradafamilia) de Barcelona es el monumento más visitado de la Ciudad Condal y uno de los más populares de Europa.

De los edificios que llevan su firma se ha escrito y leído de todo. A fin de cuentas, cómo no explayarse con unas obras que cambiaron la fisonomía de Barcelona: Casa Vicens, Parque Güell, Casa Batlló, Casa Milá… Sin embargo, su vida también arroja datos interesantes.

Curiosidades sobre Antoni Gaudí
Debido a su frágil salud (especialmente en su niñez), cuidaba mucho lo que comía. Por ello Gaudí era vegetariano.
Al arquitecto catalán le gustaba mucho la naturaleza. Esto no solo se podía observar en la esencia de sus obras, más cercana a las formas que el medio ambiente ofrece que a las rectas y ángulos propios de las construcciones humanas, sino porque además fue miembro del Centro Excursionista de Cataluña.
Aunque para costearse la carrera de arquitectura tuvo que trabajar como delineante de otros constructores y arquitectos, Gaudí era poco amigo de los planos. 

Prefería recrear sus futuras obras en tres dimensiones, con maquetas que reflejaran perfectamente cómo debía ser el resultado final.
Ese modo de trabajar lo combinaba con su gusto por integrar trabajos artesanales como la forja de hierro, la creación de vidrieras o la cerámica.
Soltero durante toda su vida, Gaudí era conservador y sumamente religioso. 

Perteneció al Círculo Artístico de San Lucas (una sociedad católica) y a la Lliga Espiritual de la Mare de Déu de Monserrat.
Llegó a pedir limosna para sufragar las obras de la Sagrada Familia.
En su vejez, dejó de importarle su aspecto físico. 

Prefería vestir viejos trajes y zapatos. 

Esto provocaba que en ocasiones le llegaran a confundir con un mendigo. 

Precisamente eso fue lo que ocurrió cuando murió atropellado por un tranvía. 

Al ver su apariencia, nadie reconoció al popular arquitecto (ya entonces era famoso). 

Así que lo llevaron a un hospital para personas pobres, donde no fue atendido a tiempo. Moriría a los tres días y sería enterrado con una gran expectación.

MAR DEL PLATA, ARGENTINA El club Ariston

Bauhaus a los 100

porJade-nieve Joachim , Alex Marshall Josephine Sedgwick Eden Weingart , 18 de abril de 2019

En abril de 1919, el arquitecto Walter Gropius fundó una de las escuelas de arte y diseño más influyentes de la historia: la Bauhaus. 

Los estudiantes aprendieron a centrarse en la simplicidad y la funcionalidad. 

Los profesores preferían los colores primarios y las formas atrevidas. 

Al ver la escuela como un hervidero de intelectualismo utópico, los nazis forzaron su cierre en 1933, dispersando a los maestros, estudiantes y la estética de Bauhaus en todo el mundo. 

La escuela cambió todo, desde muebles hasta diseño gráfico. 

Pero el mayor legado de la Bauhaus está en la arquitectura. 

Aquí es donde se encuentra ese legado en 
Argentina , Nigeria , Israel , Australia , Irak , Estados Unidos e India .

In April 1919, the architect Walter Gropius founded one of the most influential art and design schools ever: the Bauhaus. Students learned to focus on simplicity and functionality. Teachers favored primary colors and bold shapes. 

Seeing the school as a hotbed of utopian intellectualism, the Nazis forced its closure in 1933, scattering Bauhaus teachers, students and aesthetics across the globe. 

The school changed everything from furniture to graphic design. 

But the Bauhaus’s biggest legacy is in architecture. Here’s where that legacy stands in 
Argentina, Nigeria, Israel, Australia, Iraq, the United States and India

publicado en New York Times

Diseñado por Marcel Breuer y otros, incluido Carlos Coire en 1947.

MAR DEL PLATA, ARGENTINA

The Ariston Club

Designed by Marcel Breuer and others, including Carlos Coire in 1947.

Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian


Mientras estaba en el país impartiendo un seminario en la Universidad de Buenos Aires, a Marcel Breuer se le pidió que ayudara a diseñar un club social para un resort de playa en la costa atlántica de Argentina.

Abandonado, el Ariston Club en Mar del Plata, a unas 250 millas al sur de Buenos Aires, fue una vez un próspero salón de baile. 

Dijo Sol Marinucci de Trimarchi, un grupo que organiza un festival de diseño en ese lugar, donde almorzaba con vista al mar y se divertía por la noche, una vez tenía una pista de baile giratoria y fiestas que tiraban polvos de talco para obtener un mejor agarre.

Hugo Kliczkowski-Juritz, un arquitecto argentino que vive en Madrid, vio el edificio como un niño. Su importancia arquitectónica solo se hizo evidente para él en su vida posterior, mucho después de que el edificio se dividiera y convirtiera en restaurantes, y luego se dejara desocupado.

"La universidad invitó a Breuer a hacer un seminario, y Carlos Coire , otro arquitecto, le dijo: '¿Por qué no haces un pequeño edificio conmigo para ser un imán para llevar gente a esta área?'", Dijo el Sr. Kliczkowski. - dijo Nuritz. "Estaban almorzando, y [Breuer] desdobló su servilleta y dibujó el diseño del trébol de inmediato".

El Sr. Kliczkowski-Juritz ahora está liderando una campaña en línea para que el edificio sea declarado monumento histórico y sea restaurado. "La gente me escribe y me dice: '¿Por qué haces esto? ¿Por dinero?' Y yo digo: 'No, es porque creo que un edificio como este necesita ser reconstruido'. No deberías destruir la historia. Es parte de nuestra identidad ".

While in the country teaching a seminar at the University of Buenos Aires, Marcel Breuer was asked to help design a social club for a beach resort on Argentina’s Atlantic coast.

Now derelict, the Ariston Club in Mar del Plata, some 250 miles south of Buenos Aires, was once a thriving dance hall. A place for lunch overlooking the sea and fun at night, it once had a revolving dance floor and partiers would throw down talcum powder to get a better grip when barefoot, said Sol Marinucci of Trimarchi, a group that organizes a design festival there.

Hugo Kliczkowski-Juritz, an Argentine architect who lives in Madrid, first saw the building as a child. Its architectural importance only became clear to him in later life, long after the building had been divided and converted into restaurants, then left unoccupied.

“The university invited Breuer to do a seminar, and Carlos Coire — another architect — said to him, ‘Why don’t you do a little building with me to be a magnet to bring people to this area?’,” Mr. Kliczkowski-Juritz said. “They were having lunch, and [Breuer] unfolded his napkin and drew the clover design on it immediately.”

Mr. Kliczkowski-Juritz is now leading an online campaign for the building to be declared a heritage monument and restored. “People write to me and say, ‘Why are you doing this? For money?’ And I say, ‘No, it’s because I think a building like this needs to be rebuilt.’ You shouldn’t destroy history. It’s part of our identity.”

Marcel Breuer Papers, Centro de Investigación de Colecciones Especiales, Bibliotecas Universitarias de Syracuse.


Marcel Breuer Papers, Centro de Investigación de Colecciones Especiales, Bibliotecas Universitarias de Syracuse.


Hernan Zenteno para The New York Times

Hernan Zenteno para The New York Times


Hugo Kliczkowski-Juritz, un arquitecto argentino

"No es el mejor edificio de Breuer, pero es el único en Sudamérica".

Hugo Kliczkowski-Juritz, an Argentine architect

“It’s not Breuer’s best building, but it’s his only one in South America.”

Hernan Zenteno para The New York Times

Hugo Kliczkowski-Juritz

“Ha habido mucho vandalismo, la gente entra y enciende incendios. El edificio está en forma de trébol y el concreto está allí, pero todas las ventanas, todo lo demás, se destruye ".

Hugo Kliczkowski-Juritz

“There’s been a lot of vandalism — people go inside and start fires. The building is in a clover shape and the concrete is there, but all the windows, everything else, is destroyed.”

Premio Gubbio 2019 sección América Latina y el Caribe

Desde la Dirección General Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, en conjunto con la Asociación Nacional de Centros Históricos-Artísticos, la Oficina del Historiador de la Ciudad de la Habana y CICOP Argentina, tenemos el agrado de invitarlos a participar en una nueva edición del “PREMIO GUBBIO 2019 SECCIÓN AMÉRICA LATINA Y EL CARIBE”.
El objetivo perseguido es promover la divulgación de los avances teóricos, las buenas prácticas y las modalidades de gestión que presentan soluciones a las múltiples problemáticas que se plantean en materia de protección patrimonial y recalificación urbana.

Según Stefano Storchi, Encargado de Relaciones con América Latina y el Caribe de la ANCSA, “el despoblamiento de los centros históricos, su mutación de uso, la degradación de las viviendas, el progresivo envejecimiento poblacional, la obsolescencia de los sistemas de infraestructura y de movilidad y las modalidades de reutilización de los vacíos urbanos son términos comunes sobre los que resulta ineludible confrontar y hacer un balance de las experiencias que en las últimas décadas se han materializado en los distintos contextos políticos, sociales y culturales”.

El reconocimiento de esta situación del patrimonio urbano en nuestras ciudades nos lleva a comparar experiencias para descubrir nuevas respuestas a sus necesidades.

Los trabajos a ser admitidos para concursar podrán ser estudios, investigaciones, intervenciones en el patrimonio edilicio y urbano, mecanismos de gestión implementados, en el marco de una utilización física, económica y social del patrimonio existente. 

Está abocado principalmente a intervenciones de recuperación y regeneración del patrimonio edificado y/o iniciativas de gestión y de organización en el marco de estrategias de recalificación de ámbitos urbanos y/o territoriales.

Es muy importante que las propuestas sean canalizadas a través de un organismo público que otorgue un marco legal mínimo pero necesario a la presentación, tal como especifica el artículo 1º del Reglamento del Premio. 

Por esta razón sugerimos que vuestro envío sea distribuido a través de una oficina del gobierno local a la cual podamos recurrir en caso de requerir más información.

Los mejores trabajos formarán parte de una muestra a realizarse en Buenos Aires en septiembre de 2019, momento en que se informará el ganador de Premio y demás distinciones. 

La ocasión coincide con las IX Jornadas Internacionales sobre Experiencias de Revitalización de Cascos Históricos que esta organiza esta Dirección General. 

Las fechas se comunicarán oportunamente.

Aquellos que estén interesados en participar, deberán observar las condiciones establecidas en el reglamento que se adjuntan. 

Para consultas, podrán dirigirse a los coordinadores designados:

· por la Dirección General Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Andrea Cerletti, acerletti@buenosaires.gob.ar tel.: 4323-9400 int.: 2723.
· por la Oficina del Historiador de la Ciudad de la Habana: Ayleen Robaina Barcia ayleen@planmaestro.ohc.cu

Bases para participar

La Asociación Nacional de Centros Históricos Artísticos (A.N.C.S.A.), el Ayuntamiento de Gubbio, la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico (DGPMyCH) dependiente de la Subsecretaría de Gestión Cultural, del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y la Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana (OHCH), en colaboración con el Centro Internacional para la Conservación del Patrimonio, Argentina (CICOP), presentan el:

“Premio Gubbio 2019. Sección América Latina y el Caribe”

El Premio tiene como fin promover un avance concreto en las directrices y en los criterios de intervención sobre el patrimonio edificado existente y sobre la recalificación de ámbitos urbanos y territoriales. Se encuentra dirigido a la Administración Pública, a través de obras realizadas por operadores públicos y privados.

En la evaluación de los proyectos presentados se tendrán en particular consideración los elementos innovadores que se encuentren relacionados con las orientaciones culturales y operativas de la A.N.C.S.A., la DGPMyCH y la OHCH sobre la conservación, reutilización compatible y valorización de los edificios y de los contextos históricos urbanos y territoriales en el sentido del fortalecimiento de la unidad del paisaje histórico-urbano. Tales orientaciones pueden ser resumidas de la siguiente manera:

-  adecuado proyecto de reutilización física, social y económica del patrimonio edificado existente;

-  adecuada inserción del proyecto en el contexto urbano;

-  estrecha integración entre las previsiones urbanísticas y el proyecto arquitectónico;

- planes de manejo y propuestas eficaces de gestión económica, ambiental y social de las intervenciones;

-  carácter innovador de la propuesta.

REGLAMENTO DEL PREMIO

Artículo 1º. El tema del “Premio Gubbio 2019 Sección América Latina y el Caribe” está referido a: “Intervenciones de recuperación del patrimonio edificado y/o iniciativas de gestión y de organización en el marco de estrategias de recalificación de ámbitos urbanos y/o territoriales”, y se halla abierto a la Administración Pública a través de obras realizadas por operadores públicos y/o privados de los países de América Latina y el Caribe, que resultan promotores y/o ejecutores de estudios, proyectos e intervenciones realizadas (o con un grado de implementación superior al 50 %) hasta el 30 de abril de 2019. Los candidatos tienen la máxima libertad en el tipo de propuestas que serán sometidas a juicio, basadas en el respeto por el tema y en las orientaciones expuestas anteriormente.

Artículo 2º.  Los trabajos enviados, deben satisfacer los siguientes requisitos:

a) Memoria descriptiva del proyecto: en formato A4 y deberá contener como máximo 18.000 caracteres (espacios incluidos), en formato Word; fuente Arial; tamaño 12; interlineado sencillo. El texto deberá enviarse obligatoriamente en formato digital.

b) Planos e imágenes: los planos, archivos con extensión DWG (Autocad); las imágenes, archivos con extensión TIFF, EPD o JPG, resolución 300 DPI.

c) Láminas síntesis: Deberán armarse 3 láminas que reflejen las características del proyecto en forma sintética. En las mismas no deben figurar logos institucionales ni identificadores de personas. Serán enviadas, con una resolución reducida, vía mail en el momento de la convocatoria, junto a la memoria descriptiva. Las dimensiones serán de 100cm de alto y 70cm de ancho y deberán respetarse obligatoriamente.

Para más información y aclaración remitirse a:

Coordinación en Buenos Aires: Andrea Cerletti. acerletti@buenosaires.gob.ar

Coordinación en La Habana: Ayleen Robaina Barcia. ayleen@planmaestro.ohc.cu

Artículo 3º. Los trabajos se recibirán vía digital a partir del 03 de abril de 2019 hasta el 17 de mayo de 2019. Deberán remitirse a la casilla de correo a: acerletti@buenosaires.gob.ar

En base al orden de llegada, la Coordinación del Premio asignará a los trabajos recibidos un número progresivo que se convertirá en un número de registro.

Artículo 4º. El Jurado estará constituido de la siguiente forma:

Dos representantes de ANCSA

Un representante de la DGPMyCH

Un representante de la OHCH

Un representante del CICOP

Artículo 5º. El jurado examinará los trabajos presentados y previa selección de las mejores propuestas, procederá, con juicio inapelable, a la selección del ganador e indicará, como máximo, otros diez candidatos que merezcan mención especial de carácter honorífico. El “Premio Gubbio 2017 Sección América Latina y el Caribe” será adjudicado a la mejor propuesta considerada según las especificaciones del presente Reglamento. Consistirá en un elemento simbólico y un diploma a ser entregados a la ciudad.  A las propuestas que se considera que ameritan una mención, les será entregado un “Certificado de Mérito”.

Artículo 6º.  El Jurado expresará los motivos de selección de la propuesta premiada y de las consideradas meritorias de mención, precisando cuáles han sido los criterios generales de selección y de juicio. Dicho texto explicativo será difundido y curado en forma conjunta por la ANCSA, la DGPMyCH y la OHCH, y será parte de la ceremonia de premiación.

El premio será entregado en la ciudad de Buenos Aires en el mes de Septiembre, en un encuentro público. Para tal ocasión será montada una muestra del proyecto premiado y de los demás preseleccionados. La fecha y lugar de la premiación serán difundidos oportunamente.

Dicha muestra podrá itinerar en las ciudades que así lo soliciten, quedando a su cargo los gastos que originen el traslado y montaje de la misma.

Artículo 7º. Los trabajos presentados en el “Premio Gubbio 2019 Sección América Latina y el Caribe” no serán restituidos y podrán ser incorporados al archivo del ANCSA como documentación sobre el argumento.

La DGPMyCH, la OHCH y la ANCSA se reservan además el derecho de publicación del material entregado.

La participación en el Premio implica la aceptación incondicional de lo establecido en el presente Reglamento.

El incendio de Notre Dame es un llamado de conciencia sobre el patrimonio histórico mundial

La catedral de Notre Dame, en París, se incendió el lunes 15 de abril de 2019. CreditVeronique De Viguerie/Getty Images

Por * ÁLVARO SANTANA-ACUÑA para New York Times

WALLA WALLA, Washington — Notre Dame de París, una de las iglesias más visitadas del mundo, ha ardido en plena Semana Santa por causas aún desconocidas. 

Fuentes oficiales señalan los trabajos de restauración de la iglesia como el posible origen del incendio. 

Se sabe ya que han desaparecido para siempre la aguja central del siglo XIX y numerosas vidrieras, algunas de las cuales databan de la Edad Media. 

La estructura de la nave y las dos torres se han salvado. 

Sin embargo, el daño simbólico es quizás mayor que el daño material. 

ituada en el corazón de París, Notre Dame es un símbolo de Francia y ahora también es un símbolo de la desidia política y ciudadana global hacia la gestión y la protección del patrimonio histórico-artístico.

Notre Dame se comenzó a edificar en el siglo XII y su arquitectura se convirtió en uno de los mejores ejemplos del estilo gótico europeo. 

Dentro y en los alrededores de la iglesia ocurrieron varios episodios capitales de la historia francesa y europea. Durante la Revolución francesa de 1789, el edificio sufrió daños graves, entre ellos la mutilación y decapitación de las figuras de los reyes en la fachada occidental. 

Años después, en 1804, Napoleón Bonaparte fue coronado ahí como emperador y se lanzó a la conquista de Europa, Egipto y Rusia. Notre Dame ha inspirado decenas de obras de arte, como el amor trágico de Quasimodo en la novela Nuestra Señora de París del escritor Victor Hugo. 

Pero para la mayoría de sus 30.000 visitantes diarios, Notre Dame es poco más que una de las postales más reconocibles de París, como la Torre Eiffel, la pirámide del Louvre (y la Mona Lisa), un lugar donde hacerse el selfi de turno.

El Museo Nacional de Brasil, en Río de Janeiro, se incendió el 2 de septiembre de 2018. CreditLeo Correa/Associated Press

El incendio de Notre Dame de París ocurre más de siete meses después del incendio que destruyó otro símbolo patrimonial: el Museo Nacional de Brasil en Río de Janeiro y las aproximadamente 20 millones de piezas que resguardaba. 

Ahora en Francia, en medio de la consternación por la pérdida irreparable, la opinión pública ha vuelto a conocer las grandes dificultades que un monumento como la catedral parisina, pese a su valor patrimonial, tenía para recaudar el dinero de la restauración, incluso pese a que su propietario es el Estado francés. 

Por desgracia, el caso de Notre Dame no es la excepción sino la triste norma en el mundo patrimonial.

Desde hace años, me dedico a estudiar los informes anuales que la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) publica sobre el estado de salud de los monumentos más valiosos de la humanidad, y que están incluidos en la lista del Patrimonio de la Humanidad. 

Se trata de más de 1092 sitios entre los cuales se encuentran, Machu Picchu en Perú, el Taj Mahal en la India, la Gran Muralla china y, por supuesto, las orillas del río Sena, que incluyen la catedral de Notre Dame. 

Año tras año, la desoladora conclusión de numerosos informes es la misma: los bienes de nuestro patrimonio mundial desaparecen o sufren daños irreversibles sobre todo por la falta de recursos y del impacto del turismo globalizado.

La aguja central de la catedral colapsó con el fuego.CreditGeoffroy Van Der Hasselt/Agence France-Presse — Getty Images

En el caso de Notre Dame, un informe de la Unesco ya alertaba en el año 2000 de los graves daños provocados por las tormentas. 

Pese al valor universal del edificio, se tardó más de una década en iniciar las obras de restauración. 

Lo que no mencionan los informes de la Unesco son los efectos negativos del turismo de masas, que no ha ayudado a recaudar suficiente dinero para la restauración, pese a que Notre Dame recibía aproximadamente trece millones de visitantes cada año.

Ha tenido que ocurrir una catástrofe histórica para que no le falte dinero a Notre Dame, como anunció el presidente de Francia, un cariacontecido Emmanuel Macron, ante las cámaras de todo el mundo. 

Pero no será una restauración, sino una reconstrucción que con seguridad generará polémica, como la que llevó a cabo el arquitecto Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc en el siglo XIX al añadir, entre otros elementos, las famosas gárgolas y la aguja que se desmoronó entre las llamas.

El incendio de Notre Dame evidencia también un grave problema denunciado por la Unesco y otras instituciones de conservación patrimonial: la carencia generalizada de planes para gestionar siniestros en edificios de alto valor histórico. En un incendio en pleno centro de París, pasaron preciados minutos antes de que los bomberos apareciesen con sus mangueras en el techo de la iglesia. 

Para ese entonces las llamas se habían adueñado del techo de maderas centenarias y su avance era imparable.

Tras el infortunio, lloverá el aluvión de selfis en las redes sociales con la iglesia quemada de fondo y el hashtag de turno para demostrar que uno estuvo allí. 

Acaso, la reflexión más importante se extinguirá con la misma rapidez que las llamas: la falta de una sensibilidad real y colectiva hacia el patrimonio histórico-artístico que se traduzca en acciones políticas de preservación. Notre Dame de París llevaba décadas pidiendo dinero para su restauración mientras empeoraba el estado del edificio.

Durante las grandes obras de reforma urbana de Georges-Eugène Haussmann, entre 1852 y 1870, que destruyeron gran parte del París medieval que rodeaba a Notre Dame, la capital francesa se convirtió en una de las cunas de la conciencia moderna de la defensa del patrimonio histórico y artístico. 

Incendios como el de París y Río de Janeiro nos alertan de que esa conciencia debe modernizarse y eso pasa por dotarse de medios económicos y ciudadanos para evitar la destrucción del patrimonio histórico que simboliza naciones y valores globales.



* Álvaro Santana-Acuña es profesor de sociología cultural en Whitman College y especialista en historia de Francia y patrimonio.

Los Vitraux de Notre Dame de París

Ubicación

Bauhaus: cien años del vuelco en el diseño

Weimar abre un museo con piezas de la escuela

por MARÍA-PAZ LÓPEZ,WEIMAR. CORRESPONSAL para La Vanguardia

VAN DER ROHE Mobiliario obra del arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, expuesto en el nuevo Bauhaus Museum de Weimar (John Macdougall / AFP)

En abril de 1919, hace ahora cien años, en la Alemania
maltrecha tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, el arquitecto Walter Gropius fundó la escuela de arquitectura, arte y oficios artísticos más influyente del siglo XX: la Bauhaus. 

Ocurrió en la capital del clasicismo germano, Weimar, que celebra el centenario por todo lo alto con la inauguración hoy del Bauhaus Museum, un edificio de nueva planta que expone un millar de piezas de la colección más antigua de un movimiento que dinamitó los cánones previos y creó un modo de combinar la belleza artística de los objetos con su funcionalidad que trascendería épocas y fronteras.

Un siglo después, aquellos diseños Bauhaus (en alemán, construcción de viviendas) siguen pareciendo modernos. 

En su época resultaban tan radicales e incómodos, y los estudiantes y profesores de la escuela se conducían de modo tan poco convencional, que estilo y personas se hicieron insoportables para el nazismo. 

En 1925 un partido local filonazi logró echar de Weimar a la Bauhaus, que se mudó a la ciudad de Dessau, donde Gropius construiría el famoso edificio rectangular como nueva sede de la escuela, que también fue expulsada de allí en 1932 al ganar el Partido Nazi las elecciones municipales. Su último director, Mies van der Rohe, se llevó las clases a Berlín, donde un puñado de alumnos y maestros resistió unos meses hasta que, con Hitler y los suyos ya en el poder, no tuvieron más remedio que disolverse en julio de 1933.

'Mujer en silla club B3', de Marcel Breuer, fechada hacia 1927. La máscara es obra de Oskar Schlemmer, y el vestido, de Lis Beyer (Bauhaus. The Collection)

En total, la escuela tuvo pues una vida breve: 14 años. 

“Pero la Bauhaus ha influenciado el diseño en todo el mundo; los profesores y alumnos que se marcharon de Alemania por el nazismo expandieron sus ideas al trabajar en otros países”, recordó la directora del Bauhaus Museum, Ulrike Bestgen, el jueves durante la presentación.

El nuevo museo es un cubo gris y minimalista, diseñado por la arquitecta alemana Heike Hanada, que comprende 2.000 metros cuadrados en cinco niveles, y que ha costado 27 millones de euros, vertidos por el Estado alemán y por el land de Turingia. 

Sus promotores cuentan con recibir cien mil visitantes al año. Este es el punto álgido de este centenario, en el que toda Alemania se ha volcado, con cientos de actos, conferencias y muestras. Dessau inaugurará en septiembre su museo, y a final de año reabrirá, ampliado el Bauhaus-Archiv y Museo del Diseño de Berlín.

La consigna de combinar belleza del objeto con su función ha sido muy influyente
Por lo pronto, en el Bauhaus ­Museum de Weimar pueden admirarse iconos como la cuna diseñada en 1922 por Peter Keler bajo la supervisión del artista y profesor Wassily Kandinsky; la tetera de 1924 de Marianne Brandt; la lámpara de mesa de Wilhelm Wagenfeld y Carl Jakob Jucker; los juguetes de madera de Alma Siedhoff-Buscher; o las airosas sillas de Marcel Breuer. 

El núcleo de la muestra son las 168 piezas que Gropius donó a Weimar al marcharse.
Pero atención, alerta la directora Ulrike Bestgen, “es un mito que en la Bauhaus todo era totalmente revolucionario, y que todo era totalmente nuevo”. 

La Bauhaus se desarrolló desde una tradición precursora en Weimar que pugnaba ya por combinar bellas artes y oficios artísticos. Gropius fundó la Escuela Estatal Bauhaus (ese era su nombre oficial) fusionando la Escuela Gran Ducal Sajona de Arte –la primera en Alemania que admitió en su alumnado a mujeres– y la Escuela Gran Ducal Sajona de Artes y Oficios, iniciada en 1907 por el arquitecto y diseñador belga Henry van de Velde.



El icónico edificio en Dessau. Diseñado por Walter Gropius en estilo racionalista, se construyó entre 1925 y 1926 para albergar la escuela expulsada de Weimar (Pixabay / Pixabay)

De hecho, en 1919 los rompedores profesores y alumnos de la recién creada Bauhaus se instalaron en unos edificios diseñados por Van de Velde, los mismos que ahora albergan la Universidad Bauhaus, que se proclama heredera de la original, y en la que se forman estudiantes de todo el mundo.

Por todo ello, el jubileo bauhasiano en Weimar se completa con la apertura también hoy de la muestra Van de Velde, Nietzsche y modernismo en torno a 1900, en el cercano Neues Museum, sobre los antecedentes que abonaron la eclosión de la Bauhaus en la ciudad. Aquí murió el filósofo Nietzsche, y aquí tiene también su culto.

El caso es que a inicios de 1919, mientras en el Teatro Nacional –ante el que se alzan las estatuas de Goethe y Schiller, dos ilustres residentes, y donde ahora los jóvenes hacen uso del monopatín– los diputados de lo que ahora conocemos como República de Weimar redactaban la primera Constitución democrática de la historia de Alemania, Walter Gropius preparaba la nueva escuela.

El centro aceptaba a mujeres, pero se las encauzaba hacia los telares y el diseño de hogar

Para ello fichó como profesores a artistas y arquitectos como Gerhard Marcks, Lyonel Feininger, Johannes Itten, Oskar Schlemmer, László Moholy-Nagy, Paul Klee y el citado Kandinsky, entre otros. Los estudiantes tenían que aprender un oficio en uno de los talleres, pero también probar un poco todo (pintura, cerámica, tejeduría, artes gráficas, metalurgia, teatro, arquitectura), pues Gropius y su claustro no hacían distingos entre disciplinas. 

“Como escuela, la Bauhaus fue un gran experimento de experiencias creativas”, rubrica la especialista Ulrike Bestgen.
La escuela admitió a mujeres, pero la famosa proclama de Gropius de que no habría “diferencias entre el bello sexo y el sexo fuerte” ya ilustra la liberación relativa en que se formaban las alumnas, que tendían a ser encauzadas hacia los telares o el diseño de útiles del hogar. 

“Depende de si miramos el vaso medio lleno o el vaso medio vacío" –tercia la especialista Anke Blümm durante una gira por el museo–. 

Las mujeres no podían participar en todos los talleres, sufrieron ese obstáculo, pero pese a todo, varias lograron realizarse como creadoras, por lo que su paso por la Bauhaus debería valorarse como positivo”.



EN LA HAUS AM HORN DE WEIMAR. Válvula original de la época en un radiador de la única casa de arquitectura Bauhaus construida en Weimar, la Haus am Horn, diseñada en 1923 por Georg Muche (Sean Gallup / Getty)

Weimar tiene más planes para su gran año bauhasiano. 

En mayo se abrirá otra exposición sobre vivienda funcional en la Haus am Horn, diseñada por Georg Muche, que es el único ejemplo de auténtica arquitectura Bauhaus construido en Weimar. 

“Durante las obras de rehabilitación, gente que ha pasado por delante creía que era una casa nueva en fase final de construcción, ¡y tiene cien años! –se exalta en su explicación ante la casa el especialista Christian Eckert–; eso ya dice lo visionarios que eran”.

Y lo fueron cada vez más. 

El sucesor de Gropius como director, el arquitecto suizo Hannes Meyer, enfatizó la vocación social de la Bauhaus con su máxima de diseñar “para las necesidades de la gente, no para las necesidades del lujo”, lo cual le dio una aureola izquierdista que impulsó al Ayuntamiento de Dessau a despedirle en 1930. 

Eran tiempos convulsos, y el tercer director, Mies van der Rohe, optó por centrarse en la estética. 

Tampoco eso sirvió para que los nazis les dejaran en paz. 

La escuela Bauhaus desapareció así en 1933, barrida por Hitler igual que la República de Weimar en la que había nacido.

Por favor firmen esta petición para protegerla y recuperar esta joya de la arquitectura moderna, obra de los arquitectos Marcel Breuer -Bauhaus-, Eduardo Catalano y Carlos Coire. Para que se la proteja pues esta abandonada a su suerte (mejor seria decir a su desgracia).

gracias

Hugo Kliczkowski

change.org

https://www.change.org/p/gobierno-de-la-nacion-c%C3%A1mara-…

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Gobierno de la Nacion. Cámara de diputados y de Senadores.: El Ariston, edificio de la Bauhaus está en ruinas en la Pcia. de Bs. Aires. Salvémoslo SOS