Una destacada arquitecta argentina logra un importante Acuerdo de Cooperación con UPA NACIONAL para realizar trabajos de restauración en el Sanatorio Duran en Oreamuno Irazu Costa Rica. Adriana Piastrellini, arquitecta especialista en restauración del pa-trimonio, presidente de AdbA (Ascociación Art Deco Buenos Aires) ACAPA se encuentra en ese país centroamericano llevan-do a cabo una tarea de coordinación e integración para llevar adelanta trabajos de puesta en valor del antiguo Sanatorio Durán. El Sanatorio se encuentra en Oreamuno, un cantón de la provincia de Cartago. La capital de esta provincia en San Rafael, que, a su vez, está unida a la ciudad de Cartago, homónima de la provincia La arq. Piastrellini arriba a Costa Rica por un Convenio de Cooperación entre AdbA y UPA (Unión de Productores Agropecuarios) de ese país, quienes son los actuales propietarios del Sanatorio. El Complejo del Sanatorio se ubica al pie del Volcán Irazu, vocablo indígena proveniente de “Istaru” que significa “temblor” o “trueno”; está a 2350 msnm y a 54 km de la capital del País, San José. El conjunto fue construido en etapas. Un primer Edificio ya centenario, cons-truido en madera y técnica de Bahareque. Y en etapas sucesivas que evidencian la presencia del hormigón armado y el estilo art deco. Mandado construir por el Dr. Carlos Durán Cartin, primer médico costarricense, en 1918. El Dr. Durán Cartin estudió en el Reino Unido de Gran Bretaña, en el Guy´s Hospital School de Londres y fue miembro del Real Colegio de Cirujanos londinense. Asimismo, fue Presidente temporario de Costa Rica y Benemérito de la Patria, un antiguo título otorgado e países hispanos en el siglo XIX. Su gran vocación fue el tratamiento de la tuberculosis, una enfermedad infectocontagiosa que causó millares de muertes en el mundo. Una de sus hijas padeció esta enfermedad y, de allí que el médico haya puesto tanto ahínco en encontrar una cura para la misma o brindar paliativos a quienes la padecían. Así, surge la idea de fundar este nosocomio siguiendo el ejemplo de hospitales de Inglaterra, Alemania y Estados Unidos. Fue el diseñador de la primer sala de cirugía (quirófano) que evitaba que las personas a quienes se le debían realizar operaciones quirúrgicas visualizasen el doloroso proceso, ya que no se utilizaba aún anestesia. También incursionó en la odontología. El emplazamiento del Sanatorio, al pie del volcán Irazu fue debido a que el área proporcionaba aire puro, buena incidencia de la luz solar en medio de un paisaje de gran belleza que favorecía la sanación basada en la contemplación, reposo absoluto y una buena alimentación orgánica. El complejo fue construido en etapas, siendo la primera ejecutada totalmente en madera, usando las de mejor calidad disponibles en el sitio tales como roble negro, cedro y pocho. Se utilizó un sistema constructivo denominado “bahareque” que es sismoresistente y que ya utilizaban los aborígenes. Se trataba de una estructura de madera y cañas blancas recubiertas con barro y tejuelas. En las etapas posteriores se utiliza hormigón armado, un método constructivo mucho más moderno, que se pone de manifiesto durante el período entre las 2 Guerras Mundiales, época en la que se desarrolla el Art Decó. Esto es observable en lo que fue la Cas del Director y el Pabellón en el cual las monjas confeccionaban todo tipo de prendas de uso en el hospital: guardapolvos, sábanas, etc. El sanatorio funcionó hasta la década del 60 cuando comenzó su decaden-cias, siendo la erupción del volcán Irazú en 1973 el golpe de gracia para su cierre definitivo. Desde entonces entró en un proceso de rápido deterioro, alentado por diversas leyendas, originadas en las penurias de los enfermos allí tratado, que llevaron a tildarlo como un “sitio de alta negatividad”. Tal como se dijo al comienzo de esta nota, el complejo que ocupó el Sanatorio actualmente es administrado por la Unión Nacional de Pequeños y Medianos Productores Agropecuarios Costarricenses, UPA Nacional, cultivándose diversas hortalizas allí ya que UPA Nacional tiene terrenos ubicados en la parte posterior del edificio en las cuales realizan estudios de agricultura. En el sitio se encuentra una edificación para realizar seminarios o reuniones con capacidad para 125 personas que se alquila para este tipo de acontecimientos. Posee habitaciones, baños y otros recintos. En 2008 un proyecto presentado ante la Asamblea Legislativa trató de incorpo-rar estas instalaciones a un corredor turístico en la zona norte de Cartago, donde podría convertirse en un colegio con modalidad agro-turístico industrial, sin que no se halla concretado hasta el momento Por su interés histórico y arquitectónico es un sitio muy visitado por turistas, pese al estado de abandono que muestra. Debido a ello, vecinos del área han solicitado a las autoridades gubernamentales en 2010 que el Sanatorio Durán se declarara Patrimonio Nacional. Y haciéndose eco de ello, el 7 de noviembre de 2014, el presidente Luis Guillermo Solís lo declaró como patrimonio histórico-arquitectónico de Costa Rica. En 2019 se restauró el antiguo comedor y cocina del hospital, ahora llamado "La Cafetería", espacio de venta de alimentos y un área de comedor. El proyecto contempla la restauración de una de las áreas del sanatorio, la más deteriorada debido a que fue la primera en ser construida cerca de 1919 y por ser completamente de madera. La arq. Piasterllini se halla totalmente abocada a esta tarea que redundará en beneficio de todos los vecinos del área, así como de los costarricenses y el tu-rismo en general ya que contará con un importante patrimonio nacional puesto en valor. Ella ha dicho: «nuestra misión colaborar con UPA Nacional y poner en valor este patrimonio. Estamos trabajando en el master plan, en acciones de mediano y largo plazo y otras de inmediata ejecución como los recorridos que comenzaremos a implementar en este mes de abril de 2022 , en el marco de los 175 años del natalicio de Dr. Durán Cartin

Demuelan la Torre Eiffel, manifiesto de protesta

 por hugo klico, Arquitecto. Argentino/Español. editor. distribuidor de libros ilustrados

 

“…La elección en pleno corazón de nuestra capital, semejante a una negra y enorme chimenea de fábrica… es la deshonra de París…” fue la protesta de reconocidos artistas contra la “inútil y monstruosa torre de Monsier Eiffel”, publicada en la portada del periódico Le Temps.

Sus cuatro pilares (patas) se montaron en Julio de 1887, se terminó la 1era planta el 1 de Abril de 1888 a 57 metros de altura con una superficie de 4.415 m2, la segunda se terminó el 14 de agosto de 1888 a 115 metros con 1.430 m2 y se llegó a la cima el 1 de marzo 1889 de 276 metros con 250 m2.

Entre los 50 firmantes estaba el compositor Charles Gounod (Paris 1818 – 1893 Saint Cloud), el escritor y poeta Guy de Maupassant (Tourville-sur-Arques 1850 – 1893 Passy), el escritor y novelista Alexandre Dumas hijo (Paris 1824 – 1895 Marly-le-Roi), el pintor William-Adolphe Bouguereau ( La Rochelle 1825 – 1905 Ibíd.), el pintor y escultor Jean-Louis-Ernest Meissonier (Lyon 1815 – 1891 Paris) y el arquitecto Charles Garnier (Paris 1825 – 1898 Ibíd), quien diseñara la Opera de Paris.

El Ingeniero y empresario Alexandre Gustave Eiffel (Dijon 1832 – 1923 París), había conseguido un convenio con el estado y la ciudad de Paris por el que se le concedía durante 20 años el terreno para construir la torre y una subvención equivalente al 25 % del coste de construcción.  

La proclama estaba dirigida en forma de carta abierta al Ingeniero Jean-Charles Adolphe Alphand (Grenoble, 1817 – 1891 París) curador de la Feria Mundial.

“…Nosotros, escritores, pintores, escultores, arquitectos, apasionados aficionados por la belleza de Paris hasta ahora intacta, venimos a protestar con todas nuestras fuerzas, con toda nuestra indignación, en nombre del gusto francés anónimo, en nombre del arte y de la historia francesa amenazadas, contra la elección en pleno corazón de nuestra capital, de la inutilizables y monstruosa torre Eiffel, a la que la picaresca pública, a menudo poseedora de sentido común y espíritu de justicia, ya ha bautizado con el nombre de Torre de Babel”.

Si se entra en la página Web de la Societé d`´ Explotation de la Tour Eiffel se lee “…Con el paso de los decenios, la Torre Eiffel ha visto proezas, iluminaciones extraordinarias, recibido a visitantes prestigiosos… es un lugar místico y audaz, que siempre ha inspirado a artistas y propuesto desafíos”.

El sangriento dictador Adolf Hitler (Braunau 1889 – 1945 Berlín) intentó destruir la torre, que había conocido personalmente cuando el 28 de Junio de 1940 fue por 3 horas a París tras la invasión de Francia y con motivo de la firma del armisticio.

Hitler, el arquitecto Albert Speer (Mannheim 1905 – 1981 Londres) y el escultor Arno Breker (Elberfeld 1900 – 1991 Düsseldorf)

En 1944, con las fuerzas aliadas en las puertas de la ciudad, Hitler ordena al general Dietrich von Choltitz (Laka Pridnicka 1894 – 1966) destruir los edificios más emblemáticos de la ciudad “Paris no debe caer en manos del enemigo, salvo siendo un montón de escombros”. En la lista que el dictador escribió estaba La Torre Eiffel, el Arco del Triunfo, el Hotel National des Invalides”, el palacio de Luxemburgo, la Plaza de la Concordia y sus calles así como la Opera”. (1)

La torre Eiffel no murió  de éxito, sino que se salvó de su demolición gracias a él. Prueba de ello es que desde el día de su inauguración el 6 de Mayo de 1889 hasta antes de la pandemia más de 250 millones de personas visitaron la Torre Eiffel.

Fue la consultoría de ingeniería Eiffel et Cie creada en 1867 y dirigida por el ingeniero Eiffel que la diseño y construyó sobre el Campo de Marte para ser parte de la Exposición Universal con la que se conmemoraron los 100 años de  la Revolución Francesa.

Desde el comienzo de su creación como proyecto tuvo su apoyo, pero también muchos detractores que no la consideraban apropiada para una ciudad como París, de corte renacentista, la veían “desnuda poco agraciada, demasiado grande”.

Técnicamente sofisticada, tiene 18 mil piezas unidas por 2,5 millones de remaches, alcanza los 324 metros de altura (inicialmente 312 metros) y su peso supera las 10 mil toneladas.

Construida para la exposición, su vida debía ser corta, ya que era una estructura temporal, una construcción efímera.

Pero Eiffel deseaba que continuara en pie al finalizar la Exposición para poder sacar provecho de las entradas que entendía se generarían durante los 20 años de su convenio con el gobierno.

Para conseguirlo, instaló en ella en el mismo año 1899 una estación meteorológica para la Oficina Central Meteorológica de Francia, así como la una antena de radio (ésta diez años más tarde), utilizada para Telegrafía inalámbrica TSF.

Éstos fueron los argumentos que la salvaron de su destrucción y no su belleza estructural, estética y funcional.

Tenía en si la capacidad para transformarse en símbolo no solo de la Exposición para la que fuera concebida, sino de la ciudad de Paris.

Los trabajos de construcción comenzaron el 26 de enero de 1887.

Cinco ascensores permiten llegar hasta la segunda tanta y dos hasta la cima.

Sus nombres

Se pudo llamar Torre Bönickhause, ya que el apellido de Alexandre era Bönickhause, que lo cambio a sus 48 años, tomando el de su familia provenía de la región alemana de Eiffel.

También podía haberse llamado torre Joechin-Nouguier-Sauvestre, ya que en ella trabajaron en su concepción los ingenieros Maurice Koechlin (Buhl 1856 – 1946 Veytaux), Émile Nougier (Paris 1840 – 1897 Argenteuil) , que había construido obras notables como el Viaducto en Garabit o el famoso puente Maria Pia  en Oporto. 

Colaboró con ellos, especialmente en el aspecto estético el arquitecto Charles Léon Stephen Sauvestre (Bonnétable 1847 – 1919 París).

Con ellos Eiffel hizo el siguiente acuerdo, pagaría el coste de la obra (el 25% lo haría el estado) y entregaría a cada uno una prima del 1 % de las sumas que se desembolsarían durante la construcción y se comprometía a citar sus nombres como autores.

Firmaron los siguiente “Los señores Emile Nouguier y Maurice Koechlin acuerdan ceder a M. Gustavo Eiffel la propiedad exclusiva de la solicitud mencionada y declaran ceder todos sus derechos sin ninguna restricción ni reserva en la forma y el  momento en que G. Eiffel juzgue pertinente…»

Este equipo trabajó en lo que llamaría “Pylone de 300 m de hauteur”.

Desde 1884, no tenía un cliente, y buscaban quien lo financie, ya habían fracasado en su intento de que sea el símbolo de la Exposición Universal que se celebraría en Barcelona en 1888. La propuesta fue desechada por extravagante y cara.

Finalmente consiguieron convencer al Ministro de Industria y Comercio de Francia para que llamara a concurso para dar un símbolo a la Exposición de Paris. 

Las bases del concurso se realizaron a medida de Eiffel, que en aquel entonces ya era un ingeniero de enorme prestigio. Se pedía levantar una torre de hierro con una base de 125 m2 y una altura de 300 metros. Al concurso se presentaron 107 proyectos.

En el dibujo esta dibujada la planta, y a la derecha un edificio de 6 pisos, el obelisco de Luxor, la columna de Julio, el Arco del triunfo, la columna Vendome, la estatua de la libertad de la isla de los cisnes y la catedral de Notre Dame.

Fracaso del paracaidismo

El sastre Franz Reichelt (Štětí 1878 – 1912 Torre Eiffel) había diseñado un paracaídas.

Ya había fracasado muchas veces en sus pruebas realizadas con maniquíes que en lugar de bajar lentamente se estrellaban contra el suelo.

El bueno de Reichelt creía que sus reiterados fracasos se debían a la escasa altura desde donde los arrojaba, que era desde el patio de su casa en la rue Gaillon.

Al conseguir la autorización, anuncio a quien quisiera oírlo, especialmente a la prensa que el 4 de febrero de 1912, haría un nuevo y definitivo intento con un maniquí.

Pero ocultó su verdadera intención de tirarse él mismo desde la torre Eiffel.

Congrego a más de 30 periodistas, que fotografiaron y filmaron su caída desde los o9i0 metros, que lo llevo a morir estrellado contra el suelo.

Más suerte tuvo el estadounidense Frederick R. que por esas fechas se tiró con éxito en paracaídas desde la estatua de la libertad a 68 metros de altura.

Notas

1

Robert Bevan “la Destruccion de la memoria:Arquitectura de la Segunda Guerra Mundial”.

Ahora sabemos que el francés olvidado tuvo cartel con sponsor

 subido a facebook por Gustavo Anibal Visciarelli

Esta foto -tan magnífica como desconocida- nos remonta a aproximadamente 1920 para mostrarnos el ruinoso hotel Saint James abandonado frente a la actual Playa Varese.

En varias oportunidades hablamos de sus misterios.

También exhibe un fragmento de la Explanada Sur, paseo inaugurado a principios de siglo XX en el actual Boulevard Marítimo entre el Torreón y Cabo Corrientes.

Sabemos que estaba ornamentado con esculturas -en su mayoría réplicas de obras famosas- que fueron traídas de Europa.

Muchas de ellas embellecen hoy las plazas de Mar del Plata, como la que vemos en la foto. Se trata de "Venus de Milo", ubicada hoy en Plaza Colón.

Mejor no preguntar por el destino de esas bellas farolas.

No podremos dilucidar el misterio y sólo sumaremos tribulaciones.

Pero esta foto, recibida hace pocos días en el marco del proyecto Fotos de Familia, tiene un detalle sutil. Una suerte de pieza faltante en un rompecabezas. Se trata del cartel donde podemos leer "Restaurante Saint James de Juan Durrosier".

Tiempo atrás escribí sobre Durrosier y opté por llamarlo "el francés olvidado de Playa Varese", ya que la historia parecíó soslayar a este pionero de la actividad turística en aquel sector.

En verdad no abundaban fuentes documentales, salvo relatos familiares, algunas precisiones registradas por el arquitecto Roberto Cova y varias fotos mostrando un establecimiento de madera -primero restaurante y luego hotel- sobre las arenas de la bahía.

El cartel, auspiciado por los famosos cigarrillos 43, nacidos en 1898, es una singular prueba gráfica sobre la existencia del establecimiento, fundado por Jean Baptiste Durrosier.

Sabemos por fuentes familiares que Jean Baptiste, tras su arribo a la Argentina, se radicó en la zona rural de Maipú donde formó una numerosa familia.

Su llegada a Mar del Plata se produjo en fecha imprecisa, pero podemos situarla hacia fines del siglo XIX, cuando el hotel Saint James se hallaba en construcción.

El arquitecto e historiador Roberto Cova aportó otro dato: Durrosier se contactó en Mar del Plata con un paisano de apellido Dugued, que prosperaba con su panadería en el antiguo barrio de la estación de trenes.

Ambos, en sociedad, montaron una suerte de fonda en la actual Playa Varese para darle de comer a la multitud de obreros que trabajaba en la construcción del Saint James.

La paralización de la obra no significó la muerte del emprendimiento. Aquel sector –conocido entonces como “la playa del Saint James”- nacía lentamente al turismo de la mano del genovés Luis Varese, que a principios de siglo inauguró en aquel desolado paraje su histórico hotel Centenario.

Ya sin Dugued como socio, Durrosier reconvirtió aquella fonda, luego en un restaurante y más tarde en un hotel, que heredó el nombre “Saint James”. Los hijos de Jean Baptiste fueron parte de aquella empresa familiar.

El camino costero hasta Cabo Corrientes aún no existía y la franja de arena se pobló de hoteles de madera que funcionaron con permisos precarios.

El paraje cautivó a integrantes de la colonia británica en Argentina, muchos de ellos vinculados al ferrocarril, que lo convirtieron en su lugar de veraneo.

Tal circunstancia habría dado origen al nombre de “Playa de los Ingleses”, que fue cambiado por el de Varese durante la Guerra de Malvinas.

Hacia fines de la década del ’30, con la construcción del camino costero, los hoteles tuvieron que abandonar la playa y pasaron a la pendiente de la barranca. El “Saint James” siguió ese camino y continuó en manos de la familia Durrosier hasta mediados de los ’40.

En 1978 fue demolido junto al resto de los edificios.

Jean Baptiste no presenció los últimos capítulos. Murió en 1941. Pocos lo recuerdan, pero es parte de nuestra historia. La foto viene a rescatar su nombre...con el importante auspicio de cigarrillos 43.

La foto que ilustra este texto fue enviada por Ignacio Iriarte al proyecto Fotos de Familia del diario LA CAPITAL

Video

Saint James , sueldos sin pagar.. Relatos del Arq. Roberto Cova

Mar del Plata base cero

Espíritu de las Casas: un puente circular entre la materialidad y la inmaterialidad

 

publicado el 29 de octubre de 2021 en PH Museum

 El artista y antropólogo Nicolás Janowski se asoció con el arquitecto Freddy Mamani para producir un trabajo fotográfico multidimensional que examina cómo la población indígena aymara en América del Sur está viendo cómo sus valores experimentan un renacimiento.

Espíritu de las Casas , o el espíritu de las Casas , es el último proyecto de colaboración realizado por el artista y antropólogo Nicolás Janowski (Argentina) y el arquitecto Freddy Mamani (Bolivia), que se originó en El Alto, Bolivia, en 2019. Se eligió la ubicación por el fuerte sentido de comunidad que surgió en nombre de los nativos locales y el posterior reconocimiento del significado de las enseñanzas transmitidas por los aymaras, una población indígena de la región de los Andes y el Altiplano. 

Los mitos aymaras sitúan a Tiwanaku, un sitio precolombino en el oeste de Bolivia, en el centro del universo.
El proyecto comprende dos formas principales de trabajo fotográfico.
Por un lado, los artistas reinterpretaron imágenes de archivo de la expedición arqueológica francesa a Tiwanaku, ocurrida en la primera década del siglo XX.
A través del compromiso con estos recursos de archivo, los artistas se ocuparon de la apropiación cultural del patrimonio de Tiwanaku en Europa.
La apropiación cultural de Tiwanaku se inició de la mano del Inca, quien comenzó a replicar esculturas aymaras y asociar el lugar a su propia génesis étnica.
Con la conquista española de Tiwanaku, y especialmente después de 1570, los nativos fueron reubicados y su cultura erradicada.
Sin embargo, a finales del siglo XVII, se produjo un resurgimiento gradual de los valores locales.
Hoy en día, la ambición de restaurar los valores ancestrales aymaras es fuerte.

A nivel práctico, Janowski investigó la documentación almacenada en el Museo de Brooklyn, retocó las imágenes y las imprimió en algodón. Desde una perspectiva simbólica, luego los llevó a El Alto para cooperar con Mamami, y ese gesto fue paralelo a la repatriación de la herencia robada. Aquí, Mamami incorporó una serie de bocetos en las imágenes, incluidos planos de edificios neoandinos. 

Esta última operación estimuló la continuidad entre las ruinas arqueológicas del pasado y la arquitectura contemporánea. Mientras tanto, Janowski agregó palabras en aymara, escritas con sangre, como un medio para defender y fortalecer el uso de la lengua local en la actualidad.

Un segundo grupo de imágenes se centra en la lectura poética de la ontología andina a través de la mirada y la estética de Janowski. 

La implementación de la doble exposición reitera la multivocidad, potenciando las narrativas de los nativos. 

Aquí, las temporalidades y los paisajes se superponen y se cruzan, al tiempo que dejan espacio para que las voces indígenas se eleven como abanderados de la diversidad y la transformación en nombre de tal diversidad.

Las dos capas discernibles dentro del proyecto alimentan, sin embargo, un sentido cohesivo de circularidad. 

Esto está en línea con la comprensión primordial de la vida que conserva la sociedad de El Alto, al tiempo que refleja el impulso de los artistas que buscaron establecer un vínculo orientado al futuro con los antepasados.

La serie se abre con una imagen que contiene las palabras 'qullaña o qulla', que significa 'curar'.
La base de una columna está editada para encerrar una planimetría, y junto a ella se encuentra una regla de unas pocas pulgadas de alto.
El aparente desequilibrio creado por las diferentes escalas se asocia así a un viaje terapéutico, que busca reconciliarse a través de la reciprocidad en la multiplicidad.

En adelante, la noción de diversidad como incentivo para el cambio surge desde el principio y luego se elabora a fuerza de la síntesis de elementos naturales y culturales. 

La asimilación de los planos estructurales contemporáneos en las fotografías de las ruinas arqueológicas vincula aún más la conexión que subsiste entre el presente y el pasado, de una manera que intenta casar las esferas del tiempo, en lugar de separarlas.

Las siguientes palabras en aymara inscritas en las imágenes son 'evocar', 'alma', 'estar aquí', 'aceptar y recibir voluntariamente lo que se ofrece', 'solidaridad', 'recordar con el corazón', 'la transmutación al ser'. una persona ', y' de todo corazón '. 

Los términos adoptados reflejan poderosas elecciones conceptuales, en las que la dicotomía de materialidad e inmaterialidad es crucial. 

Nociones intangibles como armonía, memoria y esencia se entrelazan con la idea de presencia tanto física como espiritual, en un camino que integra una unidad básica como la piedra con el paisaje que alberga la piedra, luego con una persona que habita el paisaje, y en última instancia, con una persona que habita en su propio yo.

La fotografía Chiripa (Lago Titicaca, 2020) logra la sublimación de estos estratos de análisis, brindando una imagen de un rostro que contiene un ego más distante y posicionado sobre una roca superpuesta, educando así la unificación de los múltiples yoes del ser humano con el entorno circundante a lo largo de todo el proceso. sus transferencias temporales. 

En general, el trabajo de Nicolás Janowski y Freddy Mamani fomenta una lógica de sincronización con las características ambientales y sociales. El proyecto se hace eco de las palabras del escritor Eduardo Galeano, quien inspiró a Janowski desde su juventud: "Se podría construir un puente de plata de Potosí a Madrid de lo que aquí se extrajo - y uno atrás con los huesos de los que murieron sacándolo". Espíritu de las Casas representa un cuerpo de trabajo experimental que atribuye un significado específico al papel de la fotografía contemporánea como un medio para reivindicar el patrimonio y reflexionar sobre la apropiación cultural, encarnando así el puente (circular) mencionado anteriormente: uno que no debe temblar de frente. de transmutación.

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Todas las obras © Nicolás Janowski y Freddy Mamani de Espíritu de las Casas

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Nicolás Janowski es un artista interdisciplinario que fusiona los campos de la fotografía, la curaduría y la antropología. Tiene su sede en Buenos Aires, Argentina. Síguelo en Instagram .

Freddy Mamani es un arquitecto boliviano que representa una pieza central en la arquitectura neoandina. En su mayoría está asociado a la ciudad de El Alto, donde trabajó en los llamados "cholets" para materializar los valores de la población indígena aymara. Síguelo en Instagram .

Sofia Galli es escritora, poeta y experta en estudios del patrimonio. Estudió en la Universidad de Aberdeen y en la Universidad de Amsterdam. Sus enfoques incluyen la relación entre arte y política, la teoría de la movilidad en exposiciones y el examen de exposiciones en espacios no canónicos. Síguela en Instagram .

 

La sede central de UPCN reconocida como “edificio emblemático Art Nouveau”

·         Palacete de 1906 del Arq.  italiano Gerónimo Agostini

·         Único por la rica influencia de estilos: Art Nouveau, Floreale, Secesión

·         Recuperado por la UPCN por iniciativa de su Secretario General Andrés Rodríguez

·         En esa ocasión presentamos del circuito Art Nouveau del Barrio de Monserrat

·         Entregamos un “Reconocimiento” al Secretario General, Andrés Rodríguez y los restauradores

·         Es el 15º Edificio Emblemático de la Ruta Argentina del Art Nouveau nombrado por AANBA

·         Buenos Aires es la Capital Americana del Art Nouveau por la cantidad y calidad de las edificaciones en este estilo

Entrega del Diploma que declara al edificio emblemático del Art Nouveau al Sr. Andrés Rodríguez, Secretario General de UPCN

Entrega de diploma de reconocimiento a los restauradores

CV

        

El 29 de septiembre ppdo. se llevó a cabo el Nombramiento de la sede central UPCN,  Moreno 1332, CABA, como Edificio Emblemático Art Nouveau 2021 AANBA de la Ruta Argentina del Art Nouveau, en un acto que tuvo lugar en el mismo edificio.

Escalera principal

Primer piso, balcón hacia planta baja

Sector de exposición Primer Piso

 

            La actual sede central de la UPCN (Unión Personal Civil de la Nación, antigua residencia del empresario italiano Lorenzo A. Semino,  fue construida en el año 1906, obra del arquitecto italiano Gerónimo Agostini y ha sido restaurado y puesto en valor por esta Institución.

 

Con un estilo que combina el Art Nouveau, el Floreale Liberty italiano y el Secesionismo Vienes, es un Petit Hotel / Palacete; capolavoro arquitectónico y decorativo, en una construcción de tres plantas con una extraordinaria ornamentación interior. Se destacan la gran cantidad de frescos en paredes y cielorrasos, presentando el salón de entrada pinturas en ellos con alegorías y retratos de grandes personajes italianos: Dante Alighieri, Cristóbal Colon, Giuseppe Verdi y Galileo Galilei.

 

            El comitente fue un comerciante y empresario italiano que hizo fortuna en Argentina a principios de siglo XX, quien contrata a un exitoso arquitecto italiano, Gerónimo Agostini, para la construcción de su vivienda particular y es por esta razón que deseamos también rendir homenaje a todos los inmigrantes italianos por su legado patrimonial a Buenos Aires, obras que engrandecen nuestra cultura y son importantes atractivos turísticos.

Vitrales del primer Piso

 

Paralelamente dentro de este marco presentaremos el nuevo circuito arquitectónico del Barrio de Monserrat con arquitectos como Mario Palanti, Gerónimo Agostini, Juan A. Buschiazzo, Francisco Tamburini, Virginio Colombo, Francisco Gianotti y otros, todos italianos, que hicieron grande a nuestro patrimonio edilicio.

 

Nuestro nombramiento simbólico es parte de las actividades de la Ruta Argentina del Art Nouveau, que cuenta con 7 ciudades argentinas participando activamente, Buenos Aires, Rosario, Bahía Blanca, Córdoba, S. M. de Tucumán, La Plata, Mendoza, y donde la obra de los arquitectos italianos es parte fundamental del patrimonio arquitectónico local.

En la oportunidad también se hizo a los 700 años del fallecimiento del autor de la Divina Comedia, ocasión en la que AANBA realizó un acto con la participación de la Embajada de Italia.

 

Adjuntamos  flyer del evento

Poster del evento

Se informa, asimismo, que se ha subido a YouTube un video del evento con el Titulo: Edificio Emblemático 2021 AANBA Art Nouveau sede Central UPCN

 

Información brindada por Willy Pastrana

Presidente AANBA y Ruta Argentina del Art Nouveau